Vampyros Lesbos

Comme souvent chez Franco, une cohorte de titres alternatifs :
Die Erbin des Dracula / El Signo del vampiro / The Heiress of Dracula / The Strange Adventure of Jonathan Harker / Lesbian Vampires

Jess Franco, 1971

Quel titre, quel superbe titre tout de même ! Tout est dans ces deux mots si évocateurs, directs, premier degré, délicieusement outranciers et tellement prometteurs : une vraie vision d'auteur doublée d'un réjouissant bras d'honneur au bon goût.

Comme avec Mario Bava, la persévérance paie pour Jess Franco : je suis vraiment ravi d'avoir vu Vampyros Lesbos, qui s'avère largement supérieur à La Fille de Dracula et Les Expériences Erotiques de Frankenstein. Contrairement à ces deux derniers films, Franco n'a pas délaissé dans Vampyros Lesbos le scénario et le jeu d'acteur. En revanche, il démontre une fois de plus, par des images toujours étonnantes, sa vision personnelle et poétique du sympathique monde du vampirisme.


Pitch : la trame de l'histoire est assez peu éloignée du mythe original tel que décrit par Bram Stoker, à ceci près que Vampyros Lesbos se déroule à Istanbul de nos jours (enfin, en 1970) et que la plupart des rôles masculins sont tenus ici par des créatures aux penchants lesbiens prononcés. Linda est une jeune et blonde juriste, peu heureuse en ménage, troublée par des rêves inavouables. Elle est envoyée chez la comtesse Carody, qui habite une somptueuse villa sur une petite île du Bosphore, pour y régler la succession du grand-père de la comtesse, un certain Comte Dracula. Le soir de son arrivée, notre Linda est envoûtée, puis droguée, puis vampirisée par la comtesse, qui s'avère être aussi assoiffée de sexe que de sang. Le lendemain, Linda se réveille, sans savoir si tout cela était rêvé ou réel, dans une clinique psychiatrique tenu par le Dr Seward qui a l'air d'en connaître un rayon sur le vampirisme. Celui-ci va alors se lancer sur la piste de cette diabolique comtesse.

Dans cette interprétation du mythe de Dracula, l'austère comte des Carpathes est incarnée par une sympathique bimbo 70s qui se prélasse sur les plages du Bosphore avec ses grosses lunettes de mouche.

Comme vous pouvez le lire dans le pitch ci-dessus, l'histoire est pour une fois assez cohérente et l'on ne passe pas son temps à se demander "C'est qui elle ?", "C'est un flashback ça ?" ou "Qu'est-il devenu le moustachu de la scène d'avant ?". Comme dit plus haut, tout cela est bien fidèle au livre original et l'on retrouve les personnages principaux : Harker est remplacé par Linda, le comte Dracula par la comtesse Carody, Van Helsing par Seward et on retrouve même Reinfield, le schizophrène possédé à distance par Dracula, celui qui était joué par Tom Waits dans la version de Coppola et qui apparaît ici sous les traits de la belle Heidrun Kussin.

Sur cette base solide, Jess Franco nous montre des images à la symbolique forte, d'une beauté surréaliste inoubliable, et d'un érotisme qui ne bascule jamais dans la vulgarité ou la complaisance (ou alors si peu). Un certain nombre de thématiques se dégagent :

Écrans
J'ai tout d'abord été frappé par un motif visuel récurrent dans Vampyros Lesbos : les personnages nous sont souvent montrés derrière un premier plan plus ou moins translucide. Ici, à travers les barreaux d'une rampe d'escalier, là derrière une vitre, un voile ou encore un filet de pêche (!). J'avoue que je ne suis pas sûr de bien comprendre la signification de ces écrans entre les personnages et le spectateur. Peut-être Jess Franco cherche-t-il ainsi à illustrer à quel point ses personnages sont enfermés dans le film, comme des rats de laboratoire sur lesquels il se livre à toutes sortes d'expériences. Je ne sais pas. Quoi qu'il en soit, ce parti-pris de mise en scène est très réussi et donne une vraie identité visuelle au film.

Linda derrière une porte-fenêtre

L'homme de main de la comtesse derrière un filet de pêche

Linda et son infortuné copain derrière une fenêtre

Linda derrière une baie vitrée

Un rayon de Soledad
Il est évidemment très difficile de rester insensible à la beauté troublante de Soledad Mirando, qui joue la comtesse-vampire (et qui est créditée ici sous le nom de Susann Korda). Elle fut la muse de Jess Franco jusqu'à sa tragique disparition en 1971. Elle fait partie pour moi de ces actrices qui semblent à la fois habitées par des forces surnaturelles et détachées du monde réel. Dans Vampyros Lesbos, elle irradie chaque plan dans lequel elle apparaît par son regard magnétique, sa plastique parfaite et son jeu tout en retenue. Par comparaison, la blonde Linda (Ewa Strömberg), pourtant assez attachante, paraît presque un peu fade et trop réelle.

On sent la fascination de Jess Franco pour sa muse dans chaque plan dans lequel elle apparaît

Et puis aussi ...
Les deux scènes de danse du cabaret sont également très marquantes : on y voit Soledad Mirando, un chandelier à la main, enlever ses vêtements pour les passer sur une femme-automate aux mouvements mécaniques (et qui me rappellent un peu la créature automate des Contes d'Hoffman). Encore une fois, ces images parlent à notre imaginaire (au mien en tous cas) et vont bien au-delà d'une simple danse ou d'un banal striptease.

La comtesse et la femme-automate ...

... qui me rappelle vraiment l'Olympia de l'opéra d'Offenbach

On notera également ces gros plans récurrents sur des traînées de sang coulant le long des baies vitrées de la villa de la comtesse. Le sang est si irréel, et la caméra si proche de ces coulées que ces plans en deviennent des tableaux abstraits de toute beauté.

Une traînée de sang sur une vitre ...

... qui nous donne un tableau de Mirò

Au-delà de ces plans fétichistes et si originaux, Jess Franco sait également remarquablement construire des plans "normaux", dans lesquels il parvient à nous transmettre un vrai sentiment d'angoisse par des contre-plongées, des grands angles ou des éclairages audacieux. On accuse souvent Jess Franco d'abuser des zooms, et limite de ne savoir faire que ça. Je m'insurge totalement contre cette accusation. C'est faux ! Tout cela n'est qu'une rumeur colportée par de vilaines gens qui ont dû lire ça chez un journaliste qui se croit malin et qui n'a sûrement pas vraiment regardé les films de Franco. A la 2e vision de Vampyros Lesbos, j'ai bien fait attention et les zooms en question sont plutôt rares et toujours utilisés à bon escient. Encore une contre-vérité qu'il va falloir combattre !

Et enfin, je ne compte plus les plans superbement éclairés, les compositions picturales qui laissent rêveur ou encore ces sempiternels gros plans ensanglantés.

Franco a bien révisé son petit Vertigo illustré !

Contre-plongée + grand angle = plan angoissant

De beaux éclairages rouges à la Bava

Notez ces ombres au mur illustrant la schizophrénie de cette patiente

Un dernier mot sur le son. Sur une bande originale très jazzy, presque plus connue que le film lui-même paraît-il (et qui me ferait presque aimer le jazz), se superpose par intermittence une espèce de voix de speaker radio qui débite des paroles incompréhensibles en allemand et qui fait presque peur par son incongruité. Qui parle ainsi et que peut-il bien dire ? On entend ces sons dès le premier plan du film et je vous garantis que ça crée instantanément une ambiance très étrange.

Bref, Vampyros Lesbos est un poème sensoriel fascinant, un festin surréaliste auquel Jess Franco convoque Bram Stoker, André Breton et Paul Delvaux. A voir, vraiment.

Edit : Réjouissez-vous, j'ai réussi à mettre la main sur la BO, sobrement intitulée Vampyros Lesbos: Sexadelic Dance Party et que j'écoute en boucle depuis 2 heures. Je vous propose le titre final, Countdown to Nowhere, interprétée par le groupe Vampire's Sound Incorporation, groupe créé pour l'occasion apparemment. Du pur easy-listening bien 70s et fort agréable pour les oreilles, et qui contient ces voix en allemand si inquiétantes dont je parlais ci-dessus.

Vampire's Sound Incorporation - Countdown to Nowhere

Je Suis Curieuse (Jaune)

Jag är Nyfiken (Gul)
Vilgot Sjöman, 1967

Pitch : le film raconte les tribulations d'une jeune fille de 20 ans, dans le Stockholm de la fin des années 60, alors en plein révolution sexuelle. Notre héroïne, Lena (Lena Nyman), cherche par tous les moyens à comprendre le monde dans lequel elle vit. Avec un ami étudiant, elle interviewe des inconnus dans la rue, des jeunes appelés, des hommes politiques ou encore des personnes célèbres (dont Martin Luther King !) en leur posant des questions du style "Pensez-vous que la Suède ait un système de classes ?" ou "Que fait le gouvernement pour la jeunesse ?". Avec son groupuscule d'activistes, elle organise également des manifestations impromptus et contradictoires : contre la guerre au Vietnam ou pour l'accès à la bombe atomique pour la Suède.

Bref, notre petite Lena se cherche une place dans cette société changeante et doit mener en parallèle une sourde lutte contre son père à qui elle reproche son manque d'engagement en politique (pour le faire enrager, elle affiche un poster de Franco dans sa chambre). Enfin, elle vit une histoire compliquée avec un jeune garçon de bonne famille. Lassée de tout, incomprise, elle choisit de fuir à la campagne pour mener une existence zen à base de yoga, de vélo et d'osmose avec la nature. Saura-t-elle résister au retour de son petit copain ?

J'avais entendu parler de ce film à cause de sa réputation sulfureuse : Je Suis Curieuse avait créé un tollé à sa sortie et été banni aux États-Unis pour des scènes sexuelles trop explicites. J'imaginais que ce film était une espèce de docu-fiction sur la sexualité en Suède à la fin des années 60. En fait non, le propos est (heureusement) un peu plus large que cela. C'est l'ensemble des "questions de société" que Vilgot Sjöman, via son personnage de Lena, interroge. Un peu comme dans la philosophie, aucune réponse n'est véritablement apportée mais ce sont les questions qui sont importantes. Tel que je le comprends, les questions que se pose Lena sont les suivantes : quelle est ma place dans une société où le ciment social (appelons ça comme ça) se délite suite aux coups de butoir d'une jeunesse impatiente, politisée, qui s'ennuie et qui ne se reconnaît plus dans ses aînés ? Par quoi l'ancien système va-t-il être remplacé ? Comment conjuger les idéaux politiques et la réalité ? Peut-on vivre une vraie histoire d'amour dans un contexte de libération totale des mœurs ?

Questions intéressantes, laissées sans réponse, et qui donnent un ton très politique au film. On dirait presque du Godard, en moins prétentieux et plus léger. Il faut avouer que cette Lena est très attachante, d'une curiosité insatiable, prêt à poser toutes les questions, à tout tenter. Elle est bien loin du stéréotype de la suédoise des années 60 : Lena est une fille de petite taille, un peu boulotte, qui crie, s'énerve et change d'avis toutes les cinq minutes. Elle fait preuve d'une vitalité et d'une envie d'avancer qui la rendent très attachante.

La séquence étonnante (et lourde de sens) du rêve de Léna

Dans sa forme, Je Suis Curieuse est également proche de Godard et de la Nouvelle Vague en général : tout est filmé en décor naturel, caméra à l'épaule et les incessants jump cuts (des raccords qui cassent la continuité) semblent tout droit sortis d'A Bout de Souffle. Les acteurs sont visiblement amateurs, la narration est aléatoire et le film mélange indifféremment le documentaire et la fiction. Personnellement, je trouve que cette manière de filmer a plutôt mal vieilli et qu'elle s'apparente plus à une mode passée qu'à une démarche artistique personnelle. Mais ce n'est pas très important car on sent une vraie sincérité dans la démarche de Vilgot Sjöman. Ce film rend bien compte du bouillonnement de cette jeunesse - bouillonnement qui allait déboucher sur Mai 68.

Et quid des scènes de sexe qui avaient fait scandale ? Eh bien, d'une part, elles ne sont pas très nombreuses (le propos politique est bien plus important) et, vues en 2009, elle ne sont évidemment plus très scandaleuses. Je crois que c'était le baiser de Lena sur le sexe de son copain qui avait mis le feu aux poudres à l'époque. Bon, c'est vrai que c'est un peu olé-olé mais ce n'est pas cette image qui m'a le plus marqué. Je me souviens plus des belles images de l'escapade de Lena à la campagne, de la courte séquence onirique ou encore de l'étonnante scène finale à l'hôpital où Lena et son petit ami ont leurs corps intégralement nettoyés, comme pour les purger de leurs péchés et de leurs pensées impures. Serait-ce la morale du film ?

Le programme zen / bio de Lena est bien réglé ...

... jusqu'à ce que son copain revienne

La Disparition

Salut à tous ! Jouons un brin : ami qui lis mon post, sauras-tu voir un court mot, pourtant courant, mais manquant ici ? Un pin's parlant par gagnant.

Allons-y aujourd'hui pour trois chansons qui ont fini au top sur mon iPod (sur mon MacBook aussi).

Jacno, pur dandy 80s pas tout à fait jovial, nous a pondu un vrai hit, circa 1980, qui passa jamais à la radio (ignorants !), tombant dans un oubli profond. Pour information, j'ai ouï la chanson sur un CD plutôt canon : So Young But So Cold (pour l'avoir : ici).

Voici donc un air addictif, pop, sans aucun chant : du vrai bon travail, tout à fait jouissif, qui aurait du finir au TOP 50 !


Jacno - Triangle


Continuons dans l'anti-folk (cf mon post ici) sur un air plaintif mais doux. Mon cordial ami Louis m'a introduit à l'anti-folk, un courant toujours passionnant, via un CD au nom amusant : Colmar K7.

Là, dans la chanson, tout m'a paru parfait, surtout pour mon conduit auditif, qui bourdonnait, qui avait mal.


Prewar Yardsale - The Life of my Party


Finissons par là : Coconut Madam, chanson pop-folk, un truc pas signifiant (ou alors j'ai pas compris) mais plutôt tout doux. Grosso modo, ni un tango, ni un fox-trot !

Un air sorti il y a moins d'un an, tout sauf irritant, fait pour dormir donc.


Emily Loizeau - Coconut Madam


Ça suffira pour aujourd'hui - fatigant tout ça, plus dur qu'on croit.

Merci pour le Chabrol

A l'heure où sort son dernier film, Bellamy, que je vais sans doute boycotter en raison de la présence de Clovis Cornillac, je me suis rendu compte que j'avais de grosses lacunes dans la filmographie de Claude Chabrol. Shame on me. En route donc pour quelques unes de ses oeuvres les plus connues

Les Biches (1968)
Dans son prologue, le film présente des éléments qui avaient tout pour me plaire : la rencontre d'une fille un peu perdue (Why, Jacqueline Sassard) avec une belle femme riche (Frédérique, Stéphane Audran), de lourds sous-entendus saphiques, une villa de bord de mer, des trajets en décapotable luxueuse, un temps qui semble suspendu, une oisiveté assumée. J'avais vu le nom de Jean-Louis Trintignant au générique et, en me frottant les mains d'avance, j'attendais son arrivée au milieu de ce duo de filles si troublant.

Malheureusement, avant l'intervention d'un des mes acteurs favoris, on doit supporter les clowneries de Riais et Robèque, les deux pique-assiettes qui parasitent la villa de Frédérique et tout le film par la même occasion. Je ne comprends pas ce qu'ils font là : j'ai rarement vu des types aussi peu drôles et exaspérants. Quelle idée, mais quelle idée, de les avoir inclus dans le scénario ! Chacune de leurs apparitions est un vrai calvaire, un test renouvelé de la maîtrise de nos nerfs. Ces deux connards finissent par disparaître une demi-heure avant la fin. Ouf ! Hélas, ce qui suit ne m'a pas franchement emballé : on retombe dans une espèce de drame psychologique qui tourne doucement, tout tout doucement, au thriller. Les personnages deviennent figés, silencieux, et la si belle tension érotique du prologue a complètement disparu. L'ennui guette et le mot Fin apporte une délivrance certaine.

Il reste tout de même de splendides images et une très belle interprétation. La scène de séduction entre Jean-Louis Trintignant et Stéphane Audran est prodigieuse. En plaçant cette scène dans une maison en construction, vide, sans fenêtre et sans meuble, Claude Chabrol obtient une forme de dépouillement très théatrale qui met parfaitement en valeur la justesse des acteurs et l'universalité du propos. Ce propos c'est les jeux de l'amour, bien sûr ! De son côté, Jacqueline Sassard, mi-ingénue, mi-psychopathe, mais totalement paumée, préfigure la Sandrine Bonnaire de La Cérémonie. Mais n'anticipons pas et avançons de 2 ans avec ...

Mais virez-moi ces deux guignols putain !

Le Boucher (1970)
Stéphane Audran toujours. Saviez-vous qu'elle était la femme de Chabrol ? Ici elle joue une institutrice fraîchement arrivée dans un petit village très chabrolien justement où, le temps d'un mariage, tous les notables nous sont présentés. Parmi eux, nous trouvons Jean Yanne, le boucher, dont la bonhomie ne peut nous laisser deviner à quel point il a été marqué par la guerre d'Algérie. Au moment où nous pressentons les prémisses d'une histoire d'amour entre nos deux protagonistes, une série de meurtres sanglants met en émoi le village.

Un peu comme pour Les Biches, le film démarre fort bien : la présentation du cadre, des lieux et de l'intrigue est remarquable d'efficacité. Tout cela est introduit de manière subtile, sans effet appuyé, sans grosses pancartes fléchées. Je garde un très bon souvenir de ce long travelling lors de la scène inaugurale de mariage, travelling qui se termine par un zoom sur nos deux héros qui font gentiment connaissance. Mais plus tard, quand l'intrigue policière se met en place, j'ai l'impression que le rythme ne suit pas. Ça reste très lent, calme, presque dénué de vie. On ne ressent qu'une légère curiosité peut-être (est-il coupable ou pas ?) mais aucune tension.

En étant très sévère, j'aurais envie de dire à Chabrol : quand on n'a pas les moyens (éclairages, rythme, cadrage) de faire un thriller, on n'en fait pas. Je concède que ce propos est exagéré et prétentieux eu égard à ma méconnaissance relative de sa filmo. Mais autant je trouve que les réalisateurs français post-1960 excellent dans la comédie de mœurs douce-amère, autant ils peinent à me convaincre dans les films dits de suspense. Et ça reste vrai de nos jours : tous les Mais qui a tue Bambi ?, Harry un ami qui vous veut du bien, Lemming et autre La Sentinelle m'ont toujours laissé perplexe. Je trouve que les intrigues, fortes, avec des meurtres et tout, y sont traités de la même manière qu'on traiterait du marivaudage : sans tension, rythme ou image forte. Depuis l'antédiluvien Diaboliques de Clouzot, je suis incapable de nommer un thriller français digne de ce nom.

Bref, tout cela ne me convainc pas et Le Boucher m'a laissé un arrière-goût d'ennui, malgré l'interprétation parfaite de Stéphane Audran et Jean Yanne, et malgré tout le talent de Claude Chabrol dans sa description psychologique des petits notables de province.

Stéphane Audran et Jean Yanne

Main ensanglantée sur ciel bleu : un superbe plan

A propos du Comte de Monte-Cristo

Le Comte de Monte Cristo
Alexandre Dumas, 1848, 1455 pages

Quelques mots sur Le Comte de Monte-Cristo que je viens de lire pour la première fois. Votre serviteur n'a aucunement la prétention d'en faire une critique approfondie - étant à mille lieux d'avoir les armes littéraires suffisantes pour disserter proprement sur ce classique. Alors .... que dire ?

Et bien, à défaut d'avoir un style époustouflant et un propos percutant, je trouve que Dumas parvient brillamment, de rebondissements en scènes épiques, à tenir en haleine son lecteur. Le Comte de Monte-Cristo semble avoir été écrit pour illustrer l'expression "se lire comme un roman".

Au-delà de ce premier constat basique, la lecture de cet ouvrage m'a permis d'approfondir et de clarifier un concept qui n'était pas encore formé très clairement dans mon esprit. De manière générale, on retrouve ce "concept" chez les héros de fiction, que ce soit en littérature, au cinéma, en bande dessinée ou même dans la mythologie. Le concept dont je parle est celui des héros inhumains.

Qu'entends-je par héros inhumain ? Il s'agit d'un personnage monolithique, sur lequel le déroulement du livre (ou du film) ne semble pas avoir prise. D'ailleurs, rien n'a prise sur le héros inhumain. Ni le temps, ni les autres personnages, ni même les circonstances. Un héros inhumain ne dévie pas d'un iota d'un bout à l'autre de l'histoire. Par son manichéisme, par sa prévisibilité, par son absence d'aspérité qui me permettrait de m'y "agripper', un héros inhumain a tendance à m'ennuyer. Dans Le Comte de Monte-Cristo, la multiplication des héros inhumains est le principal reproche que je pourrais adresser à ce livre.

Mais il est sans doute plus facile de définir le héros inhumain par l'exemple. Le Comte de Monte-Cristo, alias Edmond Dantés, est évidemment inhumain - en dehors des 200 premières et 200 dernières pages. Pendant tout le gros du bouquin donc, notre héros est vraiment un Jedi dans toutes les catégories : il est omniscient, parle toutes les langues et écrase tout le monde par sa grandeur. Quand il s'entraîne au pistolet, il ne rate jamais son coup. Quand il achète un cheval, c'est le plus racé de tout le pays. Quand il reçoit à diner, il sert les mets les plus exquis. Il a toujours la réplique qui tue et n'est jamais pris en défaut sur aucun sujet. C'est dommage ! J'aimerais tant le voir bafouiller, hésiter, se prendre les pieds dans le tapis ou tomber sur une pomme pourrie parmi ses corbeilles de fruits exotiques.

Mais après tout, pourquoi pas, l'inhumanité du comte de Monte-Cristo (par opposition à Dantès qui est un humain comme vous et moi) est un peu l'idée centrale du livre : la méchanceté des hommes l'a rendu ainsi. Ça m'ennuie mais j'accepte le principe. Ce qui me gêne un peu c'est qu'on trouve également autour de lui beaucoup (trop) de personnages inhumains. Le serviteur Ali est l'homme le plus fort du monde, dévoué au-delà de l'entendement et ne rate jamais la moindre action qu'il entreprend. Son esclave Haydée est la plus belle des femmes, la plus raffinée, la plus intelligente et elle ne dit jamais un mot de travers ou ne rote à table. La jeune Valentine de Villefort est bonne comme du bon pain, d'une douceur infinie et ne sera jamais traversée par la moindre pensée impure. Morrel gardera une pureté de cœur extrême sur 1500 pages etc etc. Ad nauseam. Du coup, j'ai tendance à m'intéresser aux méchants qui me paraissent un peu plus humains et donc presque plus sympa.

Je pense qu'Alexandre Dumas avait sous les yeux un dictionnaire des superlatifs pour écrire son livre. On a parfois envie de lui dire "Bon OK, on a compris, pas la peine d'en rajouter des tonnes. Raconte-nous plutôt des histoires et des péripéties ! "

Et attention, un héros inhumain n'a rien à voir avec un héros irréaliste. Ainsi que je l'ai déjà dit dans ces pages, je suis toujours friand d'un artiste (cinéaste, écrivain) qui déforme la réalité pour illustrer un propos. Le réalisme m'importe peu. Certains super-héros par exemple ont des super-pouvoirs et restent humains dans le sens où ils doutent, tâtonnent et avancent de manière non linéaire. Spiderman en est une bonne illustration.

Donc peu importe le réalisme. Je suis prêt à accepter des histoires abracadabrantes du moment que les personnages suscitent de l'attachement, de la compassion, de la compréhension, de l'identification ou au contraire de la répulsion, du dégoût, du rejet. Tous ces sentiments, positifs comme négatifs, font vivre le spectateur/lecteur et ne sauraient être suscités par les robots que sont les personnages inhumains. Ceux-ci, par l'immuabilité de leurs comportements, ne sont que des éléments du décor, des circonstances. Et donc insuffisants pour insuffler de la vie dans ces œuvres.

L'ingénieur que je suis trouve qu'il vaut mieux illustrer tout cela par un bon tableau à deux entrées.

		Héros inhumains (qui en général m'ennuient)		Héros humains (qui en général m'intéressent)
Littérature		- Le comte de Monte Cristo - Tous les personnages des livres d'André Malraux, y compris et surtout lui-même		- Arsène Lupin - Cyrano de Bergerac - Julien Sorel (Le Rouge & le Noir), Georges Duroy (Bel-Ami), Madame Bovary, Rob Fleming (High Fidelity)
Cinéma		- Luke Skywalker - Tous les gars du Seigneur des Anneaux et en particulier Orlando Bloom - Capitaine Conan et plus généralement les personnages interprétés par Philippe Torreton - Sarah Connor - Le Capitaine Fracasse et de manière plus générale, tous les héros de films de cape et d'épée des années 50 interprétés par Jean Marais ou Gérard Philippe - James Bond la plupart du temps		- Dark Vador - Spiderman (je parle des trois films récents) - Tous les personnages des films de Rohmer - Les filles de Sex & The City - HAL dans 2001 Odyssée de l'Espace - Big Lebowski et puis, par extension, tous les vrais gens de la vraie vie, en dehors de Clovis Cornillac et Marc-Olivier Fogiel bien sûr
BD		- Largo Winch - Buck Danny, et son pote Tumbler		- Tintin - Adèle Blanc-Sec
Mythologie		- Jésus de Nazareth - Antigone		- Orphée (mais pourquoi s'est-il donc retourné, le bougre d'âne) - Achille, Zeus

Bref, Le Comte de Monte-Cristo, c'est un excellent livre de vacances mais je crois que je l'ai découvert à un âge un peu trop avancé pour ne pas être gêné par l'inhumanité du héros.

Séance de rattrapage

A force de faire des billets-fleuves blindés de photos, j'accumule beaucoup de retard dans ma recension de films vus récemment - alors qu'au départ l'idée était juste de noter, brièvement (hum), quelques impressions. Je fais ici un essai de tir groupé de films qui m'inspirent moins.

The Visitor (Thomas McCarthy, 2008)
Walter, professeur d'université veuf et austère, fait la rencontre inopinée de Tarek, jeune réfugié syrien et joueur de djembé. Contres toutes attentes, le courant passe entre les deux hommes. J'ai eu un gros moment de panique au bout d'une demi-heure car The Visitor avait l'air de s'orienter vers un film d'apprentissage musical - orienté djembé. En fait non, le film devient sérieux, humain et intéressant lorsque Tarek commence à avoir des ennuis avec les services d'immigration.

Malgré un scénario assez convenu et un propos légèrement manichéen, The Visitor nous présente des personnages attachants et bien vivants. Je pense en particulier à la mère de Tarek, femme drapée d'une dignité très élégante mais non dénuée de sensualité. Dans le genre "film de clandestins qui galèrent à New York", j'avais toutefois préféré Once We Were Strangers (Emanuele Crialese, 1997) qui débordait de vitalité.


Ma Petite Entreprise (Pierre Jolivet, 1999)
Malgré des choix de carrière pas toujours très heureux (La Belle Histoire, L'Avion, L'Etudiante euh euh), j'aime bien Vincent Lindon, son air de chien battu, son côté lunaire et sa diction si particulière qui ressemble presque à du Woody Allen. On le retrouve ici dans le rôle d'un petit patron d'une entreprise de menuiserie qui va enchaîner les galères professionnelles, sentimentales et familiales.

J'ai vraiment apprécié le cadre dans lequel se déroule l'histoire, qui est une espèce de banlieue parisienne anonyme, sans histoire et sans charme, mais qui sonne très réelle. Ça change du parquet-moulure-cheminée des films d'auteurs, des cités qui font très cité ou de la province qui fait très province comme chez Chabrol.

Au-delà du cadre, Ma Petite Entreprise a une liberté narrative que je trouve assez rare, doublée d'une interprétation impeccable. François Berléand est parfait en assureur véreux et j'aime beaucoup Catherine Mouchet dans le rôle de la secrétaire enamourée. Avec son happy end artificiel, Ma Petite Entreprise devient presque une fable sur la solidarité et la débrouille : on pense alors à Frank Capra. Ces pieds nickelés de la combine foireuse sont très attachants et on est sincèrement content de les voir s'en sortir in fine. Un film réjouissant.



Go West / Ma vache et moi (Buster Keaton, 1925)
Je ne serai pas dithyrambique sur Go West comme j'ai pu l'être sur Steamboat Bill Jr. Je trouve que l'intrigue se met ici en place avec une certaine lourdeur : un jeune new-yorkais, inadapté à la vie citadine, décide d'aller tenter sa chance dans les grandes plaines de l'Ouest ("Go West, young man"). Évidemment, il va se révéler catastrophique dans son nouveau métier de cowboy. Les gags de la première demi-heure m'ont paru un peu lourds, un peu forcés. Le décalage permanent de Keaton avec le reste du monde va être ici illustré par la profonde amitié qui le lie à une vache (oui oui !), elle-même un peu exclue du troupeau. Les marginaux se rencontrent ...

Le morceau de bravoure final, constitué d'un débarquement de 5000 vaches dans les rues de San Francisco, est tout de même impressionnant et riche en images fortes (on retrouve cette scène dans l'immonde Australia tiens). D'un point de vue mise en scène, je garde également un bon souvenir de ce plan où Keaton, à qui l'on propose la main de la riche et belle héritière, s'avance vers elle pour finalement ... se jeter sur sa vache adorée. C'est joli mais c'est un peu trop n'importe quoi à mon sens : Keaton est vraiment TROP inadapté (trop à l'Ouest ah ah) pour qu'on s'identifie et qu'on s'attache à lui. Mais rappelons-le, ça reste malgré tout du grand grand cinéma.

Keaton avec la seule personne qui le comprend

Zéro de Conduite (Jean Vigo, 1934)
Quelle déception ... J'attendais tant de ce film vénéré par les cinéphiles, longtemps interdit par les censeurs, et qui donne son nom à la vedette qui relie le MK2 Quai de Seine au MK2 Quai de Loire. Peut-être le statut "mythique" de Jean Vigo, cinéaste anarchiste mort à 29 ans, contribue-t-il à sur-coter ce film. Je ne sais pas.

Quoiqu'il en soit, j'ai été très décontenancé par la forme de Zéro de Conduite : l'histoire que ce film raconte (des élèves pensionnaires se rebellent contre l'autorité des maîtres et des surveillants) est exposée de manière assez confuse, avec des scènes qui paraissent inutiles, d'autres absurdes, donnant une impression d'inachevé. Si il y a une poésie dans ce film, je suis complètement passé à côté. Globalement je n'ai rien compris à Zéro de Conduite, d'autant plus que sur la copie que j'ai vue, la bande-son était très mauvaise, rendant les dialogues inaudibles.

Il me reste toutefois une impression générale forte, celle d'une rage sincère, d'une envie d'en découdre et d'un violent coup de pied dans la fourmilière de l'establishment. Je garde aussi en mémoire ces beaux derniers plans des élèves sur les toits de l'école, vainqueurs enthousiastes et dérisoires, jetant sur l'autorité tout ce qui leur tombe sous la main. Bizarrement, cette représentation de l'anarchie me rappelle beaucoup les scènes de rébellion de Auch Zwerge Haben Klein Angefangen, ce film a-hu-ri-ssant de Werner Herzog sur une révolte de nains dans le désert du Mexique (celui-là pour le coup, je vous le recommande chaudement : absolument terrifiant et très émouvant, un film inoubliable).

Bon, plus que 32 films de retard.