Beyond the Valley of the Dolls

La vallée des plaisirs
Russ Meyer, 1970

Pitch : un groupe de rock formé de 3 filles sexy et écervelées débarquent de leur Midwest natal à Los Angeles dans le but de lancer leur carrière. Elles seront rapidement prises en main, dans tous les sens du terme, par Z-Man, sorte de démiurge à mi-chemin entre Phil Spector et Hugh Hefner. Z-Man, producteur de musique de son état, est aussi le roi du cool dans la cité des vices et organise les soirées les plus hypes dans sa somptueuse villa. Il va progressivement emmener nos trois héroïnes sur la dangereuse pente du stupre et de la dépravation. Sauront-elles résister à toutes ces tentations, garantir leur succès et, surtout, trouver l'amour ?

Beyond the Valley of the Dolls est le résultat de l'improbable collaboration entre Russ Meyer et Roger Ebert. Russ Meyer est bien connu en tant que réalisateur de "nudies" complètement déjantés, dont les plus connus sont Faster Pussycat Kill ! Kill! (quel titre !) et toute la série des Vixens : Vixens, Super Vixens, Ultra Vixens etc. Russ Meyer est aussi connu pour être complètement obsédé par les fortes poitrines (naturelles) à propos desquelles il a développé un fétichisme assez étonnant. Roger Ebert est quant à lui un critique de cinéma très respecté, inconnu dans nos contrées, l'équivalent à lui tout seul du Masque et la Plume et dont l'influence est telle que ses critiques sont souvent reprises sur les pages Wikipedia de film.

Bref, l'alliance du spécialiste de la forte poitrine de série B (à la réalisation) et du critique de cinéma hyper-respectable (au scénario), ça donne un OVNI assez étonnant et plutôt réjouissant. Pour info, ce film est également connu en France sous les noms de La Vallée des Débauches, La Grande Trique, Orgissimo et Hollywood Vixens. Quel programme !

Comme le montrent les images ci-contre, on est bien dans un film de Russ Meyer, pas de doute là-dessus, bien que Beyond the Valley of the Dolls reste en fin de compte assez prude. Le décolleté rose ci-contre est peut-être l'image la plus osée. Pas de quoi crier au scandale donc.

Quoi qu'il en soit, je ne peux qu'applaudir des deux mains un film qui est une telle apologie de l'outrance et du mauvais goût. Beyond the Valley of the Dolls est ouvertement décérébré, l'équivalent sur grand écran d'une chanson paillarde. Et j'apprécie le fait que cet esprit joyeusement régressif et potache ne nous est pas imposé au détriment des caractéristiques purement cinématographiques de ce film.

La mise en scène tient en effet la route. Saturées de couleurs criardes, peuplées de personnages incongrus, riches en gros plans fétichistes (poitrines mais aussi pieds, bouches, instruments de musique ...), les images de ce film sont souvent marquantes, voire assez belles à regarder. Russ Meyer, à l'instar de Murnau dans L'Aurore (!), utilise aussi à foison des trucages optiques où notre groupe de filles se mélange avec les autres protagonistes de cette invraisemblable histoire.

Il faut croire que ce film a marqué les esprits car on retrouve encore de nos jours son influence directe. Si si ! The Pipettes, cet excellent girls band dont j'adore le premier album sorti en 2006, a produit une vidéo qui est directement inspirée de Beyond the Valley of the Dolls : le clip de Pull Shapes est un remake plan pour plan de la scène de la première soirée chez Z-Man.
Vous trouverez la scène du film ici et le clip des délicieuses Pipettes là. Et je ne résiste pas au plaisir de poster la dite chanson, joyeuse, hédoniste et légèrement bitchy.

The Pipettes - Pull Shapes

Des trucages optiques dignes de Murnau. Les filles au milieu, l'amoureux transi à gauche, le démoniaque Z-Man à droite.

Le principal reproche que je pourrais adresser à Beyond the Valley of the Dolls est d'être quelque peu auto-conscient. Derrière chaque scène, personnage ou dialogue, on sent une volonté de "sonner culte". Russ Meyer et Roger Ebert semblent désamorcer toute éventuelle critique en se drapant en permanence de second degré. Tout cela manque un peu de sincérité et de fraîcheur. Les filles s'en sortent bien dans l'ensemble mais ce personnage de Z-Men, ainsi que toute la galerie de stéréotypes qu'on retrouve dans les scènes de soirée, est trop caricatural. Dans les moments les plus second degré, on n'est alors pas très loin de l'exécrable "Esprit Canal" qui sévit chez nous et qui pourrit tant de nos comédies nationales.

Le dénouement du film est également assez décevant. En gros, on assiste à deux meurtres étonnamment gore et trois mariages étonnamment bien-pensants. Dans les quinze dernières minutes, la baudruche se dégonfle misérablement, le film tourne à vide et on n'a alors qu'une envie, c'est que ça s'arrête.

Ces défauts non négligeables mis à part, Beyond the Valley of the Dolls reste toutefois assez réjouissant dans son esprit potache. Un film à regarder avec le cerveau débranché et les pupilles dilatées.

La jolie Dolly, héroïne du film et chanteuse du groupe (Kelly Mac Namara)

Les filles en pleine action, avec ce look hippie 70s présent dans tout le film

La fin étonnamment gore du film

Vraiment très très gore

Parisiens amateurs de cinéma Z, de musique décalée et de grosses poitrines, ne manquez surtout pas vendredi prochain une soirée spéciale Russ Meyer au Glaz'Art, avec de très bons DJs (Roudoudou et Rubin Steiner), une projection de Faster Pussycat Kill! Kill! et plein d'autres surprises. Ca promet d'être résolument régressif et burlesque.

Bonne nuit les petits

Pour les retours de soirées difficiles, voici une fort jolie chanson : la bien-nommée Recovery de Miss Emily Brown. La chanson parfaite pour aller se jeter dans les bras de Morphée et tout oublier.


Miss Emily Brown - Recovery

Big Up à Nicolas & Pimprenelle (et Gros Nounours). Maximum respect.

Surf Music

Cette semaine, j'ai atterri un peu par hasard à une soirée organisée par le label Born Bad, qui a la bon goût de se spécialiser dans les genres musicaux obscurs et marginaux, et dont je suis fan depuis ma découverte de la compile Wizzz. Cette soirée (chez Régine ! bonjour le décalage) rendait hommage au Hard Rock FM et à la Surf Music. Un beau programme donc.

Passons rapidement sur le groupe de hard, qui répond au nom improbable de Bicok's Breakerz. Malgré leur look de hardos 80s assez drôle à base de cheveux longs et peroxydés, leur musique n'est pas super convaincante, à moins d'être fan d'une espèce de croisement entre Def Leppard et Tokio Hotel (ils doivent avoir le même âge d'ailleurs). Pendant qu'ils jouaient, le spectacle était aussi dans la salle, pleine de proto-punks défoncés au Malibu (merci l'open bar). Aucun titre à écouter sur leur page myspace mais je vous conseille de jeter un œil à leurs joyeuses têtes. Encore une tribu que je découvre.

Malgré leur concert brouillon, je ne peux qu'être supporter d'un groupe de niche comme celui-ci, décalé, grand-guignolesque et complètement déjanté.

La prestation du groupe suivant, The Cavaliers, était pour le moins enthousiasmante. Leur truc à eux, c'est la surf music et uniquement la surf music. Au premier degré, sans ironie. J'avoue que je suis admiratif de ce type d'intégrité. Ils jouent d'ailleurs la carte du total look, avec leur coiffure gominée, leur gilet en cuir et leur cravate rouge. Eux aussi avaient déplacé leur troupeau de fans hyper sapés, banane sur la tête, peigne toujours à portée de main, jeans slims et blousons de cuir.

The Cavaliers en pleine action. Même les câbles de guitare sont vintage.

The Cavaliers ont donc joué 45 minutes de surf music, pied au plancher, sans aucune parole (ou presque) et avec une énergie communicative et une sincérité qui forcent le respect. J'en profite donc pour poster deux de leurs titres parmi mes préférés. Allez les voir en concert, achetez leurs disques, c'est vraiment extrêmement rafraîchissant.

The Cavaliers - Les Cavaliers de l'Apocalypse


The Cavaliers - Elephant

En résumé, le mélange de tout ce petit monde dans le cadre super vulgaire de Régine, avec ses banquettes rouges et ses miroirs au plafond, donnait un côté burlesque assez réjouissant à cette improbable soirée. Vous trouverez quelques photos sur le blog du magazine Standard. Wouah il paraît qu'il y avait un des deux mecs de Justice, trop la hype mais je ne l'ai pas remarqué. J'ai juste vu Jean-Edouard (du Loft, en 1977) mixer comme un manche dans le bar d'à côté pour le before.

En fouinant un peu sur la page MySpace de The Cavaliers, j'ai trouvé un autre groupe français de surf music, The Wangs, qui ont apparemment 10 ans d'existence et autant d'albums à leur actif. Je n'ai pas exploré toute leur discographie (et puis comment se la procurer ?) mais j'aime beaucoup le titre ci-dessous, Les anciens présidents sont des surfeurs. C'est sûr, c'est vraiment très, très proche de The Cavaliers et pas très varié mais ça reste sacrément efficace.

Et je suis vraiment fan des dialogues extraits de Point Break, avec les voix françaises de Gary Busey et Keanu Reeves, qu'on entend au début de la chanson et qui lui donnent son titre.

Angelo Pappas : OK, super flic, tu veux envoyer les présidents à l'ombre ? Tu veux ramasser des lauriers ?
Johnny Utah : Je veux tout çaaaah !
Angelo Pappas : Tu veux tout ça ... Alors ouvre tes oreilles : les anciens présidents ... sont des surfeurs !

Et paf ! la chanson démarre sur les chapeaux de roue avec ce son de guitare si caractéristique de la surf music, reverb à fond. J'adore. En plus d'avoir un look ... hum ... intéressant, ces types-là ont de l'humour. Ça me rappelle un peu les kitschissimes (et si drôles) extraits de film qu'on entendait sur Super Discount : "Oh à part le week-end on doit dormir de bonne heure par ici".

The Wangs - Les anciens présidents sont des surfeurs

En écoutant les chansons ci-dessus, vous vous êtes peut-être dit "Ah mais je connais, c'est la musique de Pulp Fiction". Argh, je sais pas pourquoi, je trouve ça un peu injuste - bien que je me le sois dit aussi. Je ne suis vraiment pas fan des BO des films de Tarantino, non pas pour les chansons qu'elles contiennent, plutôt bonnes, mais pour leur insupportable prétention et leur fausse connivence. Un petit côté "dictature du bon goût" qui est radicalement à l'opposé des groupes ci-dessus. Et puis j'avoue que je suis un peu gêné par le fait qu'on retrouve ces BO dans toutes les collections de CDs, y compris et surtout chez les incultes musicaux, entre Manu Chao, Carla Bruni et Buena Vista Machin Club. Beuuh.

On va plutôt dire que les chansons ci-dessus rappellent Cecilia Ann, la chanson la plus surf des Pixies. Même si cette comparaison n'est pas très sympa pour The Cavaliers et The Wangs tant le génie des Pixies était et reste largement au-dessus de la mêlée, ces groupes partagent la même urgence, la même sincérité et le même état d'esprit "On n'a que deux minutes pour jouer notre chanson alors allons-y à fond".


Pixies - Cecilia Ann

L'Aurore

Sunrise - A Song of Two Humans
F.W. Murnau, 1927

Pitch : L'Homme et la Femme (les personnages ne sont pas nommés), paysans mariés, nous sont présentés comme malheureux en ménage. L'Homme a en effet une Maitresse, qui lui fait perdre la tête et le pousse progressivement à la ruine. Vénéneuse et vénale, elle propose à l'Homme de la rejoindre à la Ville et, pour cela, de se débarrasser de sa Femme en la noyant. Un plan simple donc. L'Homme met ce projet à exécution et emmène sa Femme faire une promenade en barque dans le but de la jeter à l'eau. Mais il hésite au dernier moment et renonce à ce meurtre. La Femme s'enfuit, étouffée de panique. L'Homme la rejoint et ils arrivent dans la Ville, un peu par accident. Au fur et à mesure de leurs pérégrinations dans la Ville qui est un monde qui leur est étranger et hostile, le couple se ressoude. A force de contrition et de gentillesse, l'Homme parvient à faire comprendre à La Femme à quel point il regrette ses intentions. Celle-ci est petit à petit rassurée et nous voyons notre couple heureux comme au premier jour. Au moment où ils rentrent chez eux en bateau, ivres de vin et de bonheur, une tempête se lève ...

L'Aurore, film muet à grand budget de 1927, est le premier film américain de Friedrich Wilhelm Murnau, cinéaste emblématique (avec Fritz Lang) du courant expressionniste allemand et auteur de Nosferatu (1922), film de vampire fondateur du genre, que j'ai vu il y a bien longtemps et qui m'avait un peu ennuyé dans mon souvenir. De même que le Cuirassé Potemkine, L'Aurore est régulièrement présenté comme un monument du cinéma mondial : il est même en quatrième position du top 100 des Cahiers du Cinéma (le premier étant le pénible Citizen Kane).

Alors alors, qu'est-ce que ça donne, 82 ans plus tard, pour le spectateur lambda que je suis ? Et bien ça donne un chef d'œuvre total. Ultime et universel. Mais n'anticipons pas et essayons de trouver quelques explications à cette beauté sidérante, sur le fond comme sur la forme.

La forme
J'ai d'abord bondi de mon siège, au bout de dix minutes, lors d'un plan-séquence absolument hallucinant de virtuosité. Moi qui suis souvent fan des plan-séquences (les 20 premières minutes de Snake Eyes, La Corde de Hitchcock, le clip Wannabe des Spice Girls et mon préféré : l'arrivée au cabaret de Henry et Karen dans Les Affranchis de Scorsese - il faut le voir pour le croire), j'ai été épaté de voir un tel plan-séquence dans un film de 1927.

Le déroulement de cette scène est le suivant : l'Homme a rendez-vous dans les bois avec sa maîtresse, la caméra le suit, il franchit un pont, enjambe une rivière et puis la caméra devient subjective, on avance dans la forêt, les branches s'écartent et la Maîtresse apparaît et enfin, la caméra perd sa subjectivité car on voit finalement l'homme revenir dans le cadre, s'avancer vers la fille et l'embrasser fougueusement. Tout cela en un seul plan donc, d'une fluidité et d'une beauté confondantes. Vous pouvez vous faire une idée de cette fameuse séquence sur YouTube (du début jusqu'à 1'30) mais la qualité est assez moyenne et ne rend pas justice au film. J'ai lu que c'était Murnau qui avait un peu inventé les plan-séquences et les déplacements complexes de caméra, à l'aide de systèmes assez compliqués de câbles et de coffres en bois qui portaient la caméra. Quel homme.

D'un point de vue formel toujours, L'Aurore comporte un certain nombre de trucages optiques, hardis pour l'époque, où deux voire trois images se superposent. En bon cinéaste intelligent, Murnau ne place jamais ces effets spéciaux pour la frime mais uniquement pour illustrer un propos et renforcer une idée : la frénésie des vacances via une baigneuse et un paquebot qui se mélangent, l'agitation de la ville via l'orchestre qui se démultiplie et surtout la tentation de la chair via l'apparition de la Maîtresse autour de l'Homme. Murnau nous rappelle qu'avant d'utiliser des effets spéciaux, il faut d'abord avoir quelque chose à dire. N'est-ce pas Mr Georges Lucas ?

Un trucage optique très réussi pour illustrer la tentation charnelle à laquelle l'Homme est soumis.

Enfin, pour terminer sur la forme, L'Aurore est sans surprise un film expressionniste. J'utilise ce mot un peu à tout va, sans forcément être sûr de ce qu'il signifie. Pour moi, l'expressionnisme au cinéma consiste à déformer la réalité afin d'accentuer un propos. Pour les décors, ça donne des perspectives déformées, des murs pas droits ou plus généralement des décors irréalistes. L'exemple le plus frappant dans ce genre est Le Cabinet du Docteur Caligari (Robert Wiene, 1920), que je vous recommande chaudement, dans lequel tous les décors sont complètement de travers, afin de montrer la folie du narrateur. Pour les personnages, une touche expressionniste implique pour moi des visages déformés, des yeux hallucinés et des attitudes exagérées. Ma théorie qui n'engage que moi est que l'expressionnisme est fortement lié au cinéma muet : dans la mesure où les personnages ne parlent pas et dans la mesure où c'est un peu "tricher" que de multiplier les intertitres, le cinéaste va accentuer les expressions faciales et corporelles pour faire passer le message. Et au final, cette exagération, artificielle et irréelle, transforme ces films en des poèmes en les extirpant de la réalité. Avec l'arrivée du cinéma parlant, j'ai l'impression que ce système s'est un peu effondré et je ne sais plus très bien ce qu'est devenu l'expressionnisme. Je retrouve toutefois cette idée d'irréalité "forcée" dans les dialogues des très beaux films de Rohmer - un grand admirateur de Murnau au passage.

Un plan hautement expressionniste : les deux vieux sont complètement excentrés, semblent écrasés par cette lanterne au premier plan, et surtout, mangent leur soupe sur une table de travers !

Mais je m'égare un peu. Revenons à L'Aurore et intéressons-nous un peu à son propos, qui justifie de tels parti-pris formels.

Le Fond
A l'image de ces deux femmes entre lesquelles l'homme hésite (et il hésite non pas avec une légèreté rohmerienne mais plutôt avec les terribles accents d'une tragédie grecque), L'Aurore est un film totalement binaire : dans sa forme, dans ses actrices, dans son histoire et même dans la construction de ses plans.



On peut facilement dresser un petit tableau récapitulatif de cette dualité représentée par ces deux femmes :

	La Femme	La Maîtresse
	Le jour	La nuit
	Le soleil	La lune
	La blonde	La brune
	La campagne	La ville
	L'amour pur	Les pulsions sexuelles
	L'enfance	L'âge adulte
	Le naturel	L'apparat
	La femme-enfant	La femme-vampire
	La dominée	La dominatrice

Le titre du film rappelle d'ailleurs la victoire finale du jour sur la nuit. En regardant le petit tableau ci-dessus, on pourrait se dire que L'Aurore est un film assez basique, manichéen et donc cousu de fil blanc. Et bien ce n'est pas tout à fait vrai. Pour deux raisons.

D'une part, le personnage principal, l'homme, est lui très humain justement, imprévisible, changeant, hésitant. Il est livré à lui-même dans ce monde où il doit faire des choix entre deux femmes, entre deux environnements (ville & campagne) et entre deux forces contradictoires qui agissent sur lui : ses envies d'une part et ses pulsions, d'ordre sexuel principalement, d'autre part. Je ne suis pas expert en psychanalyse mais il me semble que c'est ce que dit Freud quand il parle de l'opposition constante entre le moi et le surmoi.

Bref, dans cet environnement binaire, intérieurement comme extérieurement, l'homme doit trouver sa voie et s'affirmer. Nous le verrons donc changer souvent d'avis, se poser des questions, se prendre littéralement la tête et passer par beaucoup humeurs différentes avant de retrouver une certaine félicité. Ces changements d'états sont admirablement soulignés par le jeu expressionniste de Georges O'Brien. Entre son visage joyeux et sa mine des mauvais jours, il est méconnaissable.

Les différentes facettes de l'Homme : la tentation meurtrière ... puis le profond remords ....

... puis la peur panique ... et enfin la douce félicité.

D'autre part, et pour des raisons que j'arrive moins à comprendre, L'Aurore n'est pas "lourd" car c'est un film auquel on s'attache très facilement. A l'instar des films de Frank Capra, le propos de Murnau, quelque peu manichéen, est convaincant car il est exposé avec un vrai point de vue d'artiste. Certains films vous assènent parfois un propos basique comme un coup de marteau : le message est percutant mais on ne peut ni respirer ni réfléchir et on a un peu l'impression d'être manipulé et de perdre son esprit critique. Je pense notamment à des atroces films comme Tueurs Nés ou Requiem for a Dream. Dans le cas de L'Aurore, malgré son côté superproduction (fait rarissime : Murnau disposait d'un budget illimité pour son premier film américain !), L'Aurore n'est en rien un film pesant et Murnau semble plutôt inviter le spectateur à réfléchir.

Par la magie de ses somptueuses images et par la justesse des acteurs, L'Aurore se révèle être extrêmement attachant - un de ces films qu'on a envie de s'approprier tellement il donne l'impression de s'adresser à nous nous nous. Tout spectateur est forcément concerné par cette description du tiraillement entre les envies et les pulsions. Il s'agit tout simplement de l'histoire de chacun d'entre nous.

Bref, sur le fond comme sur la forme, L'Aurore est un film d'une beauté stupéfiante et qui mérite largement sa place dans le Panthéon du cinéma mondial - largement plus que le lourdingue Cuirassé Potemkine si vous voulez mon avis.

Et encore quelques images ...
La tentative de meurtre. L'Homme a emmené la Femme pour une promenade en barque.

1. La Femme sourit à son mari : "Ça va chéri ?".

2. Ça va pas trop apparemment. Terrible regard de l'Homme.

3. Il s'approche à pas lents et surs, avec une silhouette qui n'est pas sans rappeler celle de Nosferatu.

4. Il enjambe le banc et s'approche. On raconte que Murnau avait lesté de plomb les chaussures de l'acteur pour accentuer la démarche lourde.

5. Elle est paniquée et refuse de croire à ce qui lui arrive.

6. Elle a compris et le supplie maintenant. "Pitié !"

Murnau aurait voulu filmer un viol qu'il n'aurait pas procédé différemment.








Et pour finir en douceur, la séquence du réveil de la Femme :

Elle dort paisiblement, ouvre les yeux, sourit à son mari et enfin l'embrasse. Que c'est simple ! Que c'est beau !

Ride That Cyclone

En mode "hop hop hop", voici une très belle (et toute récente) chanson folk signée par une jeune inconnue qui nous vient des Apalaches et qui répond au nom de Larkin Grimm. Ride That Cyclone est ce genre de chansons, simples en apparence, qui prennent par surprise et dont il est difficile de se défaire. Une vraie invitation au voyage.

Ça commence par une boucle de guitare qui ressemble à du Léonard Cohen en accéléré et ça prend de l'ampleur avec l'arrivée de cette voix belle et grave qui chante des paroles un peu mystiques. Une discrète guitare solo et des choeurs s'installent en douceur ; le voyage est complété par de langoureux violons et d'improbables trompettes mariachi.

Par son côté doux et hypnotique, Ride That Cyclone est la bande-son idéale de votre prochaine soirée chamanique.


Larkin Grimm - Ride That Cyclone

Wizzz !

L'excellent label Born Bad Records, basé à Bagnolet, a sorti il y a quelques semaines une compilation intitulée "Wizzz ! French Psychorama 1966-70 Vol. 2". L'idée de ce disque est de regrouper tout ce que la pop française underground a pu produire de meilleur à la fin des années 60, en marge des artistes yé-yé bien connus de l'écurie Salut les Copains. Les dénicheurs de Born Bad Records ont donc retrouvé des 45T psyché complètement allumés, tirés à quelques centaines d'exemplaires, sortis par des artistes aussi obscurs qu'éphémères et qui répondent aux noms de Zorgones, Jésus, San Antonio ou encore Chorus Reverendus (avec Ticky Holgado !).

En bon adepte de culture-bis, je me suis précipité sur ce CD. Bien qu'il soit de qualité inégale, il révèle son lot de pépites pop loufoques, qui sont des espèces de croisements improbables entre Bobby Lapointe, Sheila et Katerine (je cherche d'ailleurs désespérément à me procurer le volume 1, épuisé et pour l'instant introuvable).

J'apprécie en particulier Maintenant je suis un voyou de l'illustre inconnu Bruno Leys. La mélodie n'est pas très évidente mais le rythme et les arrangements sont de très bonne facture. Le plus intéressant dans cette improbable chanson réside dans ses paroles pleines d'ironie et d'humour noir : "Maintenant je suis un voyou / Je ne traverse plus dans les clous" ou encore "Ma femme je lui ai dit je t'aime / En lui envoyant un chrysanthème".
En fait le type raconte, avec un savant mélange de fiel et de machisme, la dégradation inexorable de sa relation avec sa femme. Il finit par lancer un magistral (et inattendu) "Salut ! Salope ! Tu m'regretteras !" (à 2'25). C'est pas très subtil c'est sûr mais, par son outrance et son décalage avec le reste des textes, cette dernière phrase m'amuse vraiment beaucoup. Et puis pour l'époque, c'était un peu plus subversif et percutant que Jacques Dutronc.

Bruno Leys - Maintenant je suis un voyou

Sur cet autre titre, Des Arbres de Fer, signé Guy Skornik, j'apprécie la rage contenue, la voix filtrée du chanteur et les cuivres bizarres qui ponctuent chaque phrase. Encore une fois, je suis frappé par ces paroles très provocantes et plutôt trash. Derrière la noirceur poétique, à la limite du surréalisme (des "pianistes sans main" !), on sent poindre une terrible frustration. Ce type tape sur tout ce qui bouge et Mai 68 n'est pas très loin. Franchement, qui écrit encore aujourd'hui des textes aussi subversifs ?

Des arbres de fer, de vieilles femmes aux seins bleus
De grands cris terrifiants lancés par des chiens dans les cieux
Des chapelets de sang
Des filles aux cheveux blancs
Des moulins de Hollande déracinés par le vent

Mais, Bon Dieu ou Satan,
Je n'ai donc plus le droit
De rêver, de fumer, de voyager de temps en temps ?

Des masques de feu, des prêtres adultères
Des enfants dans les rues qui complotent pour tuer leurs pères
De violents coups de reins
Des pianistes sans main
Des moulins de Hollande déracinés par le vent

Je me dis qu'un tel texte ferait une bonne base de scénario pour un film de Georges Franju.

Guy Skornik - Des arbres de fer

Il y a encore beaucoup d'autres chansons, et surtout beaucoup d'autres textes, qui valent la peine d'être entendus sur cette compilation (en particulier Je suis inadaptée de Brigitte Fontaine et KKK de Serge Franklin). Tous ces groupes avaient définitivement des choses à dire et de l'énergie à revendre. Conclusion en 3 mots : achetez ce CD !

Et bonne année 2009 à vous tous, chers lectrices et lecteurs. Je vous aime.