I tre volti della paura

Black Sabbath / Les Trois Visages de la Peur
Mario Bava, 1963

Ah ça y est, j'en tiens un : un grand, grand film de Mario Bava. Victoire ! Après Danger: Diabolik, joli mais trop décérébré, et Planet of the Vampires, qui m'a laissé plutôt perplexe, je suis vraiment content d'avoir persévéré dans la veine Bava, grâce notamment aux bons conseils du spécialiste ROBO32.EXE (quel pseudo ... à la hauteur de son blog que je vous recommande et qui est une vraie mine d'or de culture bis).

Black Sabbath (appelons-le comme ça) est avec Suspiria un des meilleurs et des plus beaux films d'épouvante que j'ai jamais vus. En tous cas le plus effrayant : je l'ai vu lundi soir, seul, à une heure avancée de la nuit, le soir où la tempête frappait Paris et cognait à mes fenêtres et, pour la première fois depuis bien longtemps, j'ai vraiment eu peur ! Franchement, je ne me souviens pas d'avoir eu si peur en regardant un film depuis .... euh ... depuis Le Cauchemar de Dracula de Terence Fischer que j'avais vu beaucoup trop jeune, à l'âge de 10 ans je crois. Au-delà de ce sentiment de douce terreur, si rare et si précieux au cinéma, j'ai été subjugué par l'ébouriffant spectacle visuel que nous offre Bava dans chacun des épisodes qui constituent ce film.

Black Sabbath est composé de trois moyens-métrages de 30 minutes environ, qui se déroulent chacun dans des environnements et à des époques différents, mais qui illustrent, comme indiqué par le titre original, les trois visages de la peur. Je me suis un peu arraché les yeux à regarder ce film sur un petit écran 13'', en italien, avec des sous-titres portugais (!), surchargés par des sous-titres anglais (!!), mais cela en valait largement la peine.

I. Il Telefono
Il Telefono est le plus court, et peut-être le moins captivant, des trois épisodes - bien qu'il soit de toute beauté. Cette première partie est un peu la rencontre d'Alfred Hitchcock et d'une histoire extraordinaire d'Edgar Poe.

Une jeune femme (la belle Michèle Mercier, dont on a pu apprécier la plastique dans Tirez sur le Pianiste de Truffaut, avant qu'elle devienne Angélique, Marquise des Navets) reçoit chez elle d'inquiétants coups de fil : une voix mystérieuse lui répète des menaces de mort à exécution immédiate. L'auteur de ces appels paraît l'épier car il est au courant de ses moindres faits et gestes : "tu aurais du garder ta robe", "inutile de bloquer la porte" etc. Terrifiée, elle appelle une amie qui vient la rassurer. Mais cette amie est-elle vraiment pétrie de bonnes intentions ?

Cet épisode ressemble bigrement à la série Alfred Hitchcock Présente : action très resserrée, unité de lieu, nombre de personnages réduit, utilisation du téléphone comme moyen de terreur. D'Hitchcock on retrouve également une certaine élégance dans la photographie, les costumes, la mise en scène et l'actrice principale. L'angoisse est ici distillée de manière subtile, sans que rien ne soit explicitée, sans goutte de sang et sans violence graphique. Le twist qui intervient au milieu, avec la révélation de l'auteur des appels, par ce long travelling sur le fil du téléphone, est sans conteste le moment le plus réussi, celui où vos cheveux se dressent sur la tête.

Michèle Mercier dans un plan audacieusement éclairé

Je pourrais poster 45 photos d'elle tellement elle est marquante

Je me demande si Wes Craven ne s'est pas inspiré de Il Telefono pour la première scène de Scream, la meilleure d'ailleurs.

II. I Wurdalak
En très peu de temps, le deuxième épisode expose un pitch que je trouve absolument génial. Ecoutez plutôt : dans un pays reculé, au 19e, deux frères et une sœur attendent le retour de leur père qui est parti à la chasse au Wurdalak, l'équivalent local du vampire, qui terrorise le pays depuis trop longtemps. Avant de partir pour cette périlleuse mission, le père leur a déclaré "Si je ne suis pas revenu dans 5 jours, avant minuit précise, c'est que je serai devenu un Wurdalak à mon tour. Vous ne devrez alors pas m'écouter et me tuer en m'enfonçant une épée dans le coeur". Au jour J, ses enfants l'attendent donc anxieusement en scrutant l'horloge et ... enfin ! voilà le père qui revient ... mais quelques secondes après les douze coups de minuit ! Ah ah ... ce très léger retard est-il suffisant pour dire que le père est devenu un Wurdalak ? Faut-il le croire ? Et son comportement n'est-il pas un peu étrange tout de même ? Le spectateur a quant à lui un gros doute quand il voit que le père est interprété par Boris Karloff, et on finit très vite par avoir peur pour les membres de la maisonnée. Le cadre est posé, le suspens est total.

En moins de 10 minutes, on se retrouve dans une situation très hitchcockienne : le spectateur connait (ou croit connaître, ce qui revient au même) le danger qui pèse sur des personnages qui nous ont été présentés comme attachants, qu'on aimerait "sauver" et qui apparemment ne se doutent de rien. Dès lors, l'angoisse s'immisce dans chaque séquence et il est difficile de ne pas trembler à chaque porte qui s'ouvre de manière suspecte, à chaque ombre qui longe un couloir, à chaque grincement fugitif.

Apparition de Sdenka : quelle belle lumière, quelle belle image (et quel beau visage)

Mais I Wurdulak est plus qu'un Hitchcock-like. En plus de nous raconter une histoire très ramassée, passionnante et pleine de rebondissements, Mario Bava fait preuve d'une créativité visuelle absolument prodigieuse. Chaque plan est un feu d'artifice de couleurs vives, d'éclairages baroques et de visages expressionnistes. Les décors sont étonnants, en particulier les alentours de l'auberge envahis de fumée bleue, la crypte qui déborde de toiles d'araignée multicolores ou cet espèce d'abbaye en ruines absolument cauchemardesque. J'ai été également séduit par les superbes mouvements de caméra, jamais trop appuyés, qui révèlent soudainement un personnage ou un objet qui nous était jusque là caché.

Le retour du père à l'auberge familiale

Laisseriez-vous Boris Karloff rentrer chez vous ?

L'abbaye en ruines (éclairage bleu !)

Nos héros dans la crypte (éclairage vert !)

Plan impressionnant d'un jeune Wurdalak

Dernière image, à vous faire retourner sous la couette

III. Goccia d'acqua (Goutte d'eau)
Après I Wurdalak, on pourrait croire que la tension va retomber un peu pour le dernier épisode de cette divine trilogie. Pas du tout, Black Sabbath avance crescendo et Goccia d'acqua se révèle encore plus angoissant que les autres.

Le scénario est assez simple : une infirmière de nuit est tirée de chez elle pour apporter des soins post-mortem à une vieille femme qui vient de mourir. Notre infirmière arrive dans l'étrange demeure baroque de la défunte qui, au lieu d'arborer le visage serein de la mort, porte sur elle un rictus des plus terrifiants. On découvre qu'elle menait une vie pas très catholique, à base de messes noires et de spiritisme. Malgré toute l'angoisse qu'elle ressent à la vue de cet ignoble cadavre dont les yeux ne veulent pas se fermer, l'infirmière dérobe la bague de la vieille. Non, vraiment non, elle n'aurait pas du voler la bague d'une vieille sorcière (on le sent d'ailleurs, on a envie de lui crier "ne vole pas cette bague !") car, une fois rentrée chez elle, elle va enchaîner les plans loose les plus angoissants. Cet épisode se termine par un twist final absolument phénoménal - que je ne vous raconterai pas - mais qui fait que la tension se maintient jusqu'à l'ultime seconde.

Ce que j'ai dit sur I Wurdalak s'applique à nouveau bien pour Goccia d'acqua : au-delà d'une histoire épouvantable (dans le bon sens du terme), les décors & les éclairages sont vraiment bluffants. Je n'ai jamais rien vu de tel. Si vous avez aimé Shining de Kubrick, vous adorerez Goccia d'acqua : apparitions subliminales d'images pétrifiantes, bruits récurrents et angoissants (les fameuses gouttes d'eau), mise en scène ultra-efficace, actrices crédibles etc etc Tout est là pour créer un chef d'œuvre de l'angoisse. Et encore une fois, le suspens est haletant : on tremble pour cette infirmière, certes voleuse, mais à qui on pardonne volontiers, tant on craint les représailles qui la menacent (un peu comme Janet Leigh dans Psycho).

Eclairages irréels, mobilier baroque : le décor vraiment ahurissant de la maison de la défunte.

Belle composition de la défunte sur son lit de mort

La même défunte et son terrible rictus

Le danger est derrière la porte

La vieille passe à l'attaque (ces couleurs !)

Bref ...
... tout cela est très maîtrisé et plus j'y pense, plus je me demande comment Mario Bava a ensuite pu réaliser ces plans si pauvres et si peu chargés d'émotion dans Planet of the Vampires. Peut-être n'est-il au meilleur de sa forme que dans des formats courts. Ça reste à vérifier. Quoiqu'il en soit, je comprends maintenant pourquoi Mario Bava est comparé à Dario Argento - et pourquoi on dit même qu'il en est l'inspirateur.

Pour peu que vous soyez dans de bonnes conditions (seul(e), la nuit, avec une bonne petite tempête dehors), je vous défie de rester imperturbable en regardant I tre volti della paura et de ne pas vous agripper à votre couette en hurlant intérieurement "Attention derrière toi !", "N'ouvre pas cette porte !" ou encore "Sors de là, viiiite !". Maximum respect pour Mario Bava.

BIPPP

Bon, je vais lancer une pétition pour qu'on élève une statue à la gloire de JB, l'énigmatique, fantastique, patron du label Born Bad Records. Après la superbe compile Wizzz (dont j'ai parlé ici et là) et l'étonnante soirée Surf Music qu'il avait organisé, je découvre ces jours-ici la compilation BIPPP, sortie sur ce label il y a exactement un an, et je suis encore une fois époustouflé par le bon goût de ce découvreur de génie.


Pour la compile BIPPP, JB a fouillé les fonds de ses bacs de vinyl pour exhumer 13 titres (et autant de groupes), largement inconnus, qui nous proposent une pop synthétique des plus rafraîchissantes, fortement teintée de cold wave très anglo-saxonne.

Ce disque nous montre qu'il existait bien des équivalents français à Visage ou Soft Cell, à cela près qu'ils n'ont jamais percé.


Le morceau de choix de cette compile est Polaroïd-Roman-Photo, qu'il est quasiment impossible de ne pas adorer dès la première écoute. Dans ce titre lent, désincarné et hypnotique, on sent une forte influence de Kraftwerk, sur laquelle se posent des paroles dignes de Gainsbourg avec ses jeux de mots à tiroir et légèrement grivois sur le thème de la photo.
... à base de "Je n'ai pas l'âge d'être sage comme une image" ou encore

Tu sais, je suis si sensible
A la lumière, et inaccessible
Devant ton zoom, mets un filtre rose
Si tu veux, si tu veux, que je pose

Ruth - Polaroïd-Roman-Photo

Dans une veine plus Cure, on trouve également le très énergique Ping Pong. C'est frais, direct, sans fioriture et remarquablement efficace. Suite à la sortie de la compile BIPPP, quelqu'un a fait un clip bien sympa de cette chanson, que je vous recommande vivement : c'est ici.

ACT - Ping Pong

A propos de ping-pong, je profite de l'occasion pour poster ce remix par Vicarious Bliss d'une chanson de Daisy Daisy (que de name dropping dans ce billet !). Après un début très malin et très efficace, la chanson gagne en intensité à partir de 2'10 : la rythmique se durcit, les synthés deviennent plus abrasifs et une langoureuse voix féminine chante des paroles bien sensuelles "Michelle came into my bed / She has long dark hair / She's fff-french". Génial.

Daisy Daisy - Michelle Plays Ping Pong (Vicarious Bliss Match Point Mix)

Pour terminer sur BIPPP (achetez cette compile !), je suis également fan de ce titre de Comix, à mi-chemin entre Plastic Bertrand et Indochine. Au delà de la musique très efficace, j'avoue que cette chanson me plaît par le mauvais goût assumé de ses paroles :

Touche pas mon sexe
Petite fille dévergondée
Ce n'est qu'un prétexte
Petite fille, laisse moi planer

et ces improbables chœurs qui répètent "On pourra jouer à touche-pipi / On pourra jouer à touche-pipi". Du grand et joyeux n'importe quoi. J'adhère.

Comix - Touche pas mon sexe

Enfin, pour jouer au jeu de "qui sample qui", les fans de Busy P, alias Pedro Winter, alias le manager de Daft Punk et de Justice, alias à peu près le mec le plus cool de la terre, bref ces fans-là n'auront pas manqué de remarquer que son titre Rainbow Man, sorti sur Ed Banger l'année dernière, est basé sur un sample de la chanson de Comix. Comparez les 5 premières secondes de Touche pas mon sexe au thème de la chanson ci-dessous : c'est tout pareil.

Busy P - Rainbow Man

Steamboat Bill Jr.

Cadet d'eau douce
Charles Reisner & Buster Keaton, 1928

Pitch : après 10 ans d'éloignement, William Canfield (Buster Keaton), dit Steamboat Bill Jr, retrouve son rude gaillard de père qui est capitaine du ferry fluvial Steamboat. Au grand désespoir de ce dernier, notre héros, frêle jeune homme un peu poète, paraît complètement inadapté au métier viril de pilote de ferry que lui destine son père.

Qui plus est, Bill Jr est amoureux de Kitty King, la fille du concurrent détesté de la Steamboat Co. Le père a plus d'une fois envie de déshériter son fils voire de le jeter par dessus bord. Toutefois, après cette première mésentente et des débuts chaotiques, Bill va se montrer héroïque lors d'une tempête qui va ravager la petite ville fluviale dans laquelle se déroule notre histoire ...

Ce qui frappe avant tout dans ce film, c'est l'agilité physique de notre héros. Comme Chaplin, Buster Keaton est venu au cinéma en passant par la case music-hall. Il est au départ un saltimbanque (sans la moindre connotation péjorative) et cela se voit à l'écran : son corps paraît élastique, il tombe sans se faire apparemment mal, grimpe tel Jackie Chan le long du ferry, se prend un nombre incalculable d'objets dans la figure (tous les cartons du camion par exemple) et finit toujours par se relever, comme insensible à la douleur.

Dans le pitch ci-dessus, j'ai utilisé le mot inadapté à escient. Comme chez Chaplin (toujours), le principal ressort comique nait du décalage. Buster Keaton n'est jamais au diapason de son entourage. En temps "normal", il est complètement perdu et maladroit : il ne sait pas exercer son métier de conducteur de ferry, il n'arrive pas à choisir un chapeau et il descend du mauvais côté du train. A contrario, dans des circonstances exceptionnelles, quand il s'agit de délivrer son père ou quand la tempête s'abat et que toute la population de la ville est complètement désemparée, lui seul garde son sang-froid et fait preuve d'une agilité sans égal. Buster Keaton est drôle car il est toujours à contre-courant de ses semblables.

Ce décalage permanent se prolonge également dans sa relation avec le spectateur : ce dernier "voit " souvent avant lui le danger qui se présente, la peau de banane sur laquelle il va glisser. En plus d'accentuer le côté comique, ce procédé apporte une forme de suspense et on passe son temps à se dire "Aïe aïe aïe, comment va-t-il s'en sortir ?". Et on applaudit à chaque fois car il s'en sort toujours le bougre !

Là, notre héros n'a pas vu le trou à sa droite. Nous oui.

Et évidemment il avance sans regarder => gag !

Le film se termine en apothéose par la séquence époustouflante de la tempête qui ne dure par moins de 12 minutes. Au sein de ce morceau de bravoure pendant lequel il est difficile de reprendre son souffle, tant les gags visuels les plus hallucinants s'enchainent sans le moindre temps mort, on trouve l'une des séquences les plus impressionnantes que je connaisse : la fameuse chute de la façade qui épargne miraculeusement notre héros (cf. images ci-dessous). Quant on pense que cette scène a été réalisée, en une prise, sans aucun trucage, on en tremble encore pour Buster Keaton..

Notre héros, imperturbable dans la tempête, ...

... n'a pas vu la maison derrière lui qui menace de s'effondrer

Même au bout de 15 visions, j'en tremble encore pour lui ...

... qui réalise à peine ce qu'il lui a failli lui arriver

Steamboat Bill Jr est un de ces films où j'ai spontanément applaudi (pour de vrai, tout seul devant ma télé) lorsqu'est arrivé le générique de fin. Bravo, bravo. Il y a dans ce bijou de cinéma une inventivité visuelle, comique et poétique, qui est franchement jubilatoire. Sans jamais tomber dans la mièvrerie, Steamboat Bill Jr réunit le rire et l'émotion avec une virtuosité dont je ne trouve l'équivalent que chez Charles Chaplin.

Qu'est devenu le cinéma burlesque de nos jours ? Quel acteur joue encore ainsi avec son corps ? Qui fait encore du splastick, des gags purement physiques et visuels ? Je ne sais pas, je cherche.

Sa fiancée l'attend en arrière-plan mais lui, comme souvent, ne l'a pas vue. Un plan magnifiquement composé dans lequel les personnages, par leur attitude corporelle, expriment une vraie émotion.

Planet of the Vampires

Terrore nello spazio
Mario Bava, 1965

Je continue méthodiquement à regarder des films de Mario Bava mais je n'ai, pour l'instant, toujours pas trouvé la moindre parenté entre Bava et le réalisateur de Suspiria. Avec Planet of the Vampires, on est loin du film d'épouvante mais plutôt dans une série B, une vraie de vraie, de science-fiction, avec une pointe d'horreur.

Pitch : dans une galaxie lointaine et à une époque indéterminée, deux vaisseaux spatiaux, l'Argos et le Galliot, mettent le cap sur une planète inconnue d'où est émis un signal de détresse. Après un atterrissage mouvementé, les équipiers du Galliot sont saisis d'accès de folie et s'attaquent les uns les autres. Le brave capitaine Markary (Barry Sullivan) parvient in extremis à ramener ses ouailles à la raison et lance une expédition à la recherche de l'Argos dont on est sans nouvelle. Le capitaine et son équipe font bien vite une macabre découverte : les équipiers de l'Argos se sont apparemment entre-tués. La situation s'aggrave car, peu après l'enterrement, certaines cadavres disparaissent et d'autres ressuscitent carrément en morts-vivants super agressifs. Le capitaine Markary, décidément plein de sagesse, décide alors qu'il est grand temps de quitter cette planète infernale. Mais entretemps ... le convecteur d'énergie cosmique a été saboté !!

Je n'aime pas le mot 'nanar' mais il faut bien avouer que ce terme semble avoir été inventé spécialement pour qualifier Planet of the Vampires. Tous les aspects du film sont contaminés par un incroyable amateurisme foutraque : acteurs, histoire, décors, costumes. Tout, absolument tout, est frappé du sceau "Série B" et il faut parfois un peu s'accrocher.

D'ailleurs, je suis déjà un peu en train de changer d'avis sur le discours que j'avais tenu à propos de Danger: Diabolik, à savoir que je n'aime pas me moquer des films, que je ne les aime pas à cause de leurs défauts mais en dépit de leurs défauts. En regardant Planet of the Vampires, je me suis surpris à rire devant le comique involontaire de certaines scènes (attitude que je déplore pourtant !). Je pense notamment à l'hallucinante scène suivante : nos deux héros, Markary et Sanya, pénètrent dans un vaisseau hanté. Sanya pose sa main sur un espèce d'interrupteur et la retire immédiatement en poussant un cri "Ce truc est électrifié, je viens de me prendre une décharge !". Markary répond "Ah bon ? Fais voir" et il pose à son tour sa main sur l'interrupteur et se prend évidemment lui aussi du 220V, avant de s'écrier un truc du genre "Ah mais oui tu as raison, c'est électrifié !". Et tout ça en gardant un sérieux imperturbable, dans leurs costumes absolument ridicules et des décors en carton. N'importe quoi .... Il faut le voir pour le croire.

Quel que soit l'angle selon lequel on se place, ce film est donc assez catastrophique. Toutefois, je note malgré tout quelques beaux décors psychédéliques, avec de jolies éclairages rouge/vert qui ne sont pas sans rappeler ceux de Suspiria. La fin, très noire et nihiliste, est également plutôt réussie et réjouissante. On peut d'ailleurs noter que Ridley Scott s'est fortement inspiré de Planet of the Vampires (de l'histoire hein ! pas du reste) pour Alien.

Et puis au-delà de ces légères qualités, il y a un je ne sais quoi dans ce film qui le rend sympathique, qui donne envie de l'aimer un petit peu malgré tout. Je pense que Mario Bava est un cinéaste sincère, pas du tout deuxième degré, et je crois que c'est cette fraîcheur de ton qui rend le film attachant, malgré ses invraisemblables défauts.

Les trois quarts du film se déroulent dans cette pièce

Je trouve que le type de droite a quelque chose de Zinédine Zidane. Et, oui, ils portent ces tenues pendant TOUT le film

Le réveil des cosmonautes-zombies

Et le flamboyant vaisseau Argos poursuit son odyssée à travers le cosmos ...

Danger: Diabolik!

Mario Bava, 1968

Ce film est l'adaptation d'un comic italien, Diabolik, créé en 1962, très populaire outre-Alpes et qui apparemment existe toujours. A l'origine du projet, Dino de Laurentis, producteur spécialisé dans les films de science-fiction de série B (on lui doit Barbarella, Flash Gordon, Conan le Barbare mais également Dune et Le Sixième Sens) a confié la réalisation de cette adaptation à Mario Bava qui avait la réputation de tourner vite et pas cher et qui s'était fait un nom avec des premiers films vampiro-fantastiques remarqués.

Pitch : Diabolik (John Philip Law) est un super héros à mi-chemin entre Fantômas et James Bond. Affublé d'un masque de latex, il vole les riches mais ne donne rien aux pauvres car il garde tout pour se payer des Porsches, une superbe maison sous terre et plein de bijoux pour sa petite amie Eva (Marisa Mell), sexy en diable avec ses mini-jupes, sa frange blonde et ses bottes mi-cuisse. Le grand rival de Diabolik est l'inspecteur Ginko, qui cherche sans succès à l'attraper depuis 10 ans, et qui est interprété ici par, je vous le donne en mille, Michel Piccoli ! (franchement qu'est-ce qu'il fait dans ce film ce cher Michel ?). Il faut noter que Diabolik est assez ambivalent. Si il n'hésite pas à tuer pour arriver à ses fins (des policiers notamment), il lui arrive également de jouer les redresseurs de tort et de s'attaquer à de gros méchants.

Voilà pour le cadre. Ensuite, l'histoire proprement dite est assez classique : Diabolik joue au chat et à la souris avec Ginko pendant tout le film. Il parvient successivement à dérober 10 millions de dollars en cash, un superbe collier de 11 émeraudes et enfin un lingot d'or de 18 tonnes (!). Au passage, il débarrasse le monde du super-méchant Valmont (Adolfo Céli, un habitué de genre de rôle : c'est le n°2 du SPECTRE dans Opération Tonnerre) qui avait commis le sacrilège de prendre sa copine en otage.

Après Suspiria, j'avais envie de voir des films de Mario Bava, qui est présenté comme l'autre maître du giallo. Je me suis un peu gourré dans mon choix car Danger: Diabolik n'a strictement rien à voir avec le sombre et superbe Suspiria. Nous sommes plus ici dans le domaine du kitsch pur et résolument décérébré.

Cette image clôt la séquence pré-générique : le spectateur peut enfin souffler 10 secondes

Toute la séquence pré-générique de Danger: Diabolik, qui dure près de 10 minutes, est assez époustouflante. Le défilé des motos, l'apparition de Michel Piccoli, le chargement de l'argent dans la Rolls-Royce blindée, l'attaque du convoi par Diabolik et enfin sa fuite en hors-bord : toutes ces scènes sont filmées tambour battant et avec beaucoup de virtuosité. Au bout de 10 minutes haletantes, quand j'ai vu apparaître l'écran-titre ci-dessus, je me suis dis que j'allais adorer ce film.

Malheureusement, Danger: Diabolik est bien vite rattrapé par ses faiblesses. Dès que les personnages se mettent à parler et qu'un début d'intrigue se met en place, les défauts du film sautent au yeux : inconsistance du scénario, pauvreté des dialogues et indigence des acteurs. Je mets Michel Piccoli à part bien sûr. En fait, il ne faut pas beaucoup de temps avant qu'on switche et qu'on se dise "Ah OK, c'est un film ouvertement crétin. Apprécions alors les images, tentons de comprendre pourquoi ce film est dit 'culte' et sauvons ce qu'il y a à sauver".

C'est sur la foi de cette image si jubilatoire que j'ai eu envie de voir Danger: Diabolik

Le discours qu'on entend souvent est qu'il faut apprécier Danger: Diabolik au deuxième degré, voire plus. Très peu pour moi. Je n'aime pas me moquer des films que je regarde et ne sais les apprécier autrement qu'au premier degré. Je ne me sens pas proche des spectateurs qui tiennent des discours du type "C'est tellement nul que c'est génial". Je laisse ce genre de propos aux abonnés de Canal+. Je préfère penser "OK tel truc est vraiment nul/mal fait mais est largement rattrapé par tel autre aspect positif". Pour résumer, je ne crois pas entretenir un culte du nanar ; d'ailleurs ce mot 'nanar', en plus d'être bien laid, me gêne par ce qu'il sous-entend de fausse connivence entre pseudo-initiés. Un type qui met un film d'Ed Wood dans son top 5 de tous les temps est pour moi un poseur ou un imposteur.

Donc donc donc, on oublie les acteurs et le scénario. Qu'est-ce qu'il reste, au premier degré ? Comme souvent, il reste l'image & la mise en scène.

Les images
Il faut bien reconnaître que Danger: Diabolik est un vrai feu d'artifice de kitsch estampillé années 60 : entre les voitures chromées, les mini-jupes très mini, les coiffures pop, les décors SF et les éclairages psychédéliques, il y a largement de quoi éblouir les yeux de la première à la dernière minute. Et je suis fasciné par l'apparence de Diabolik : sa combinaison en latex et son masque noir lui font vraiment crever l'écran chaque fois qu'il apparaît. Il devient en revanche absolument inexistant dès qu'il enlève son masque, le pauvre John Philipp Law étant hélas un bien piètre acteur.

Diabolik se repose dans sa tanière avec sa petite amie décidément bien serviable

Nos deux héros un brin vulgaires

Plus bling-bling, tu meurs

Douche pour elle

Douche pour lui

Soirée psychédélique

Image de la belle séquence sous-marine

Hommage au comic
D'autre part, Danger: Diabolik comporte de nombreux effets de mise en scène qui sont tout à fait appréciables. Au-delà de "gimmicks" très appuyés (zooms fulgurants, caméra qui tourne, grand angle pour accentuer une perspective), Mario Bava se montre très respectueux du support dont cette histoire est issue : la bande-dessinée. Danger: Diabolik est en effet truffé d'inserts, d'image dans l'image, de cadre dans le cadre - tous ces effets qui rappellent les cases d'une BD et renforcent l'aspect cartoonesque. Bava a le bon gout de ne pas multiplier à l'excès ces effets et ils en prennent d'autant plus de valeur.

Couleurs vives + contre-plongée appuyée + une pointe d'érotisme = un bel hommage au comic

Une composition de plan très proche d'une case de BD

Autre exemple d'image dans l'image

La bibliothèque sert ici à faire un découpage en cases

Ou là encore , la tête de lit découpe la fille et son agresseur

Sacrés fonds bleus
Enfin, pour terminer sur l'image, j'avoue que j'ai un peu halluciné sur la multiplication des "fonds bleus", tous très visibles, même quand ça ne paraît pas nécessaire. Est-ce intentionnel ? Si oui, on pourrait effectivement soupçonner Bava de vouloir faire un film deuxième degré, en le montrant encore plus cheap que ce qu'il n'est vraiment. Hum, je ne sais pas mais je préfère lui donner le bénéfice du doute.

Je n'en mets que deux parce-que je fatigue un peu mais, croyez-moi, le film en est gavé.

Ouch !

Re-ouch !

Au final, indépendamment de ma petite diatribe sur le 2e degré qui est un peu exagérée eu égard à la fraîcheur de ton qui se dégage de ce film, Danger: Diabolik reste très amusant à regarder, parfois éblouissant, toujours plaisant. A découvrir.

Et pour la petite histoire, Danger: Diabolik a eu une forte influence sur un certain nombre d'artistes contemporains : le clip Body Movin' des Beastie Boys est un remake d'un scène du film de Bava, le film CQ de Roman Coppola s'en inspire également directement et enfin on peut retrouver beaucoup d'éléments de Danger: Diabolik (dialogues, gadgets, attitudes du héros) dans les films ouvertement parodiques que sont OSS 117 et Austin Powers.

Voici l'image qui résume peut-être le mieux cet étrange film : décors SF, costumes kitsch, attitudes proches du ridicule mais aussi un beau sens du cadrage. Ici Diabolik s'apprête à cracher de l'or fondu par ce tuyau : quel symbole !