The Incredible Shrinking Man

L'homme qui rétrécit
Jack Arnold, 1957

En explorant ces derniers mois l'insondable filmographie de Jess Franco l'italien, Jean Rollin le français ou Mario Bava l'italien, j'ai un peu négligé la série B américaine. J'ai donc tout récemment entrepris de rattraper mes lacunes dans ce domaine.
On commence par un grand classique (d'après ce que j'ai lu) signé Jack Arnold. D'autres suivront très bientôt.

Pitch : comme son nom l'indique, ce film raconte l'histoire d'un homme qui, après avoir traversé une espèce de nuage radioactif, se met inexorablement à rétrécir. Les médecins sont incapables de comprendre son mal et donc de l'aider. Notre héros Scott (Grant Williams) perd son boulot et doit s'enfermer avec sa femme dans sa (grande) maison assaillie par des journalistes en quête de sensationnel. Il se stabilise à un moment à 80cm environ et se retrouve un peu à trainer comme une bête de foire dans le milieu du cirque. Lors d'une touchante scène dans un café, il rencontre d'ailleurs une ravissante femme dans le même cas que lui. J'ai cru à ce moment-là que le film allait devenir une espèce de comédie romantique chez les freaks.

En fait non, pas d'histoire d'amour : notre infortuné héros continue à rétrécir et il est obligé de rentrer chez lui et de se calfeutrer dans une maison de poupée. Après une épique bataille contre son chat, il tombe à la cave à l'insu de sa femme. Notre infortuné héros rétrécit encore et toujours (il ne mesure plus que quelques centimètres) et doit maintenant se battre contre un raz-de-marée (en fait une fuite d'eau), contre une araignée agressive et de manière générale contre tous les objects qui l'environnent et qui sont devenus immenses.

The Incredible Shrinking Man est avant tout un film remarquable d'efficacité : le phénomène de rétrécissement débute immédiatement, le récit est ramassé et très vite on s'intéresse à cette histoire étonnante, sans se demander le pourquoi du comment. Cette efficacité narrative fait aussi la limite du film : toute psychologie est exclue, la personnalité de Scott ne nous est pas exposée et en fin de compte il n'est qu'un homme qui rétrécit. Il est donc assez peu attachant. Peut-être est-ce dû à l'acteur qui est assez inexistant il faut bien l'avouer. On suit donc ses aventures au sens matériel du terme mais assez peu son aventure psychologique à lui.

Le film devient subitement très vivant grâce à la rencontre de Scott avec cette autre fille rétrécie (et très charmante)

Cette regrettable déshumanisation de l'histoire est constante durant tout le film à l'exception de deux moments. D'une part, un début d'histoire d'amour et donc une humanisation du héros surgissent lors de la rencontre de Scott avec une autre femme qui a également rétrécie (comment ? on ne saura jamais). C'est dommage que cet élan romantique soit inexplicablement coupé net. D'autre part, la fin du film est constituée d'un étrange monologue en voix-off du héros qui part dans des élucubrations métaphysiques assez étonnantes. The Incredible Shrinking Man se termine de manière très ouverte et pas classique du tout, laissant le spectateur sur une note rêveuse.

Et enfin, en dehors de cet étonnant finish, je regrette l'absence totale de poésie dans ce film. Avec un tel sujet, je me dis qu'il y avait vraiment de quoi composer des plans esthétiques et inhabituels pour illustrer cette disproportion entre Scott et le monde. Mais en dehors d'un plan de talon de chaussure et de la scène de combat contre le chat, tout cela reste très sérieux et très clinique, à l'opposé du 7e Voyage de Sinbad, qui à partir de la même situation (un personnage devenu minuscule) nous propose des images vraiment émouvantes et humaines. Mais j'en parlerai bientôt.

Au final, histoire d'être un peu lapidaire, The Incredible Shrinking Man nous raconte une bonne histoire, bien construite, avec un soupçon d'étrange, mais c'est à peu près tout ce que j'en retiens d'appréciable.

La lutte de Scott contre son chat

Belle image de talon avec Scott qui galère en arrière-plan

La fille qui en savait trop

La Ragazza che sapeva troppo
Mario Bava, 1963

Tel l'explorateur en quête des sources du Nil, je continue ma recherche de l'origine du giallo, en suivant toujours le bras Mario Bava et en remontant à contre-courant chronologique. La fille qui est savait trop date de 1963 et est le dernier film en noir & blanc tourné par Bava. Je crois que je touche au but car d'après Wikipedia et d'autres littératures que j'ai lues à ce sujet, La Fille qui en Savait Trop est le film fondateur du genre. Un sacré bonhomme que ce Bava tout de même. Pendant la seule année 1963, il signe en effet trois films marquants : La fille qui en savait trop donc, Les Trois Visages de la Peur dont j'ai déjà parlé et Le Corps et le Fouet dont je parlerai bientôt et qui est une vraie bombe visuelle.

Mais peu importe les catégories des exégètes du cinéma, La fille qui en savait trop est avant tout chose, avant toute classification, un excellent film, mon Bava préféré pour le moment.


Pitch : Nora Davies (Letícia Román), jeune américaine de 20 ans, passionnée de romans policiers, débarque à Rome pour rendre visite à sa vieille tante malade. Sa toute première soirée à Rome s'avère être agitée. Tout d'abord, deux heures après son arrivée, la vieille tante meurt (de mort naturelle). Partie chercher un médecin, Nora se fait agresser et assommer par un brigand qui lui vole son sac et la laisse inanimée sur le trottoir. Au moment où elle reprend ses esprits, la pauvre Nora assiste au meurtre d'une femme par un homme mystérieux dont le visage reste caché.

Bien évidemment choquée, Nora retombe dans les pommes, se fait aider par un autre homme mystérieux qui lui donne de l'alcool pour la réveiller. Celui-ci fuit à l'arrivée de la police. Nora retombe dans les pommes et se réveille à l'hôpital. Bienvenue à Rome ! Heureusement, un jeune médecin ritalo-tchatcheur va aider notre héroïne et celle-ci, pleine de ressources et animée de sa passion pour les histoires policières, va se lancer dans une tortueuse enquête dans toute la ville à la recherche de ce mystérieux tueur. Nombreux seront les obstacles qui se dresseront sur sa route.

La première idée qui vient à l'esprit est que Bava rend par ce film un bel hommage à Alfred Hitchcock. Au-delà du titre qui fait évidemment référence au plus-que-moyen L'Homme qui en savait trop, Bava utilise un certain nombre d'éléments de scénario typiques des films de son aîné : présence d'un objet qui attire l'attention et qui en fait s'avère n'être qu'un leurre (autrement appelé McGuffin - ici c'est le paquet de cigarettes Kent), personnage qui a involontairement vu un meurtre et qui poursuit les méchants tout en étant poursuivi par eux, point de vue unique (celui de Nora), histoire d'amour qui se greffe sur l'enquête policière, alternance de scènes de suspens et de scènes de comédie etc etc.

Et Letícia Román, par sa beauté et sa blondeur, rappelle physiquement les classiques héroïnes hitchcockiennes - bien qu'elle n'ait pas la froideur habituelle de ces dernières. Nora est en effet bien vivante, espiègle et attachante, loin en fin de compte d'une certaine raideur nordique qu'on trouve chez Grace Kelly ou Indrid Bergman

Ce dernier point fait d'ailleurs partie des éléments grâce auxquels Bava évite le piège de la simple décalque des films d'Hitchcock. La fille qui en savait trop porte en effet une marque plus personnelle, plus méditerranéenne. Il y a dans ce film un ton léger, une vivacité et un humour qui sont tout à fait rafraîchissants. Lors des promenades romaines de Nora et du jeune docteur, le film prend des airs de comédie romantique et lorsque Nora essaie d'appliquer les recettes du polar à sa propre enquête (voir la scène où elle répand du talc et tend des fils pour piéger un éventuel assassin), l'histoire devient franchement réjouissante, ludique.

Il est d'ailleurs impossible de ne pas tomber sous le charme de Nora, qui bascule en permanence entre des périodes presque ludiques, quand elle fait sa Sherlock Holmes, passionnée qu'elle est par cette histoire tout droit sortie de ses lectures habituelles, et des moments de vraie panique quand un tueur est à ses trousses ou que le vent fait claquer une fenêtre.

Motif récurrent dans les films de Mario Bava : un gros plan sur une main qui hésite à ouvrir une porte

Le réveil à l'hôpital
J'aime particulièrement la scène du réveil de Nora à l'hôpital. Elle ouvre les yeux, ne comprend rien à ce qui lui arrive mais reste persuadée de la véracité de ses souvenirs de la nuit. A son chevet, viennent tour à tour se pencher tout un tas de gens qui sont persuadés qu'elle est mythomane ou alcoolique. Mario Bava filme ce défilé par un série de champ/contrechamp qui rend superbement compte de l'angoisse ressentie par Nora à la vue de ces inquiétants personnages.

Quelles sont ces curieuses choses ...

... qui se penchent sur le lit de Nora ?

Des bonnes sœurs bien sûr ! (j'adore les bonnes sœurs)

"Je vous dis que je ne suis pas folle !"

Puis c'est au tour du psychiatre fou de se pencher ...

... sur la pauvre Nora qui n'ose même plus regarder

Et enfin un troupeau de médecins inquisiteurs

"Au secours ! Laissez-moi sortir !"

Cette très belle scène, pleine d'humour, n'est pas sans rappeler le réveil de Cary Grant dans La Mort aux Trousses après son kidnapping, lorsqu'il essaie de convaincre la police qu'on l'a forcé à boire et qu'on a bien tenté de le tuer. Cette incompréhension entre le héros et son entourage est vraiment stimulante pour le spectateur : on sait que notre héros a raison et on a envie de se lever de notre siège et de dire "Mais si ! Il dit la vérité messieurs, écoutez-le !". Bref, le spectateur vit devant une scène comme celle-ci. Et comme chez Hitchcock, ce passage est aussi fondamental pour l'histoire car cette incrédulité des "autorités" va pousser notre héroïne à ne faire confiance à personne et à mener son enquête par elle-même. Cela justifiera le fait qu'elle n'appellera jamais la police.

La lumière dans les yeux
Enfin, il faut souligner l'extraordinaire qualité de la photographie de ce film (le chef opérateur n'est d'ailleurs autre que Bava lui-même). Plus je vois de films, plus je suis sensible à la photographie et plus particulièrement à la lumière. Ici, je suis comblé tant Bava soigne l'éclairage des visages de ses acteurs. Presque tous les gros plans sur les visages sont d'une beauté remarquable, renforcée par un superbe noir et blanc bien contrasté, tirant ainsi vers un certain expressionnisme tant les yeux sont mis en valeur. Quelques images sont plus parlantes qu'un long discours :

Le plan emblématique du film : éclairage orienté sur des yeux écarquillés dans une composition de guingois. Superbe !

Nora en plein doute nocturne

Eclairage par derrière

Encore une magistrale composition de lumière

Caméra en bas, lumière d'en haut

En résumé, ce film a tout pour plaire : une histoire solide, du suspens à tous les étages, une certaine frivolité, une actrice attachante et une superbe photographie. A la réflexion, La fille qui en savait trop est un peu la rencontre de Lubitsch et Hitchcock. Viva Bava !

High Fidelity

Stephen Frears, 2000

Pitch : le film raconte les tribulations de Rob, vendeur de disques, obsessionnel de la musique, rétif à toute forme d'engagement et bourré de doutes. Bref, une histoire d'homme. Lisez le livre pour plus de détails !

High Fidelity fait partie de cette réjouissante catégorie de films que j'appelle les feel-good movies, à savoir des films jubilatoires, simples à regarder mais également intelligents, malins et proposant plusieurs degrés de lecture. Je rangerais dans cette catégorie Retour vers le Futur ou Un Jour sans Fin par exemple.

Cette grande réussite n'était pourtant pas gagnée. Pour deux raisons.

Premièrement, John Cusack (acteur principal, co-scénariste, co-producteur et véritable "porteur" du projet) a choisi de placer l'action du film à Chicago. Moi qui suis un fan ultime du livre qui se passe à Londres dans le quartier de Highbury, j'avais vraiment peur que ce déménagement se double d'une américanisation (j'ai bien peur que ce terme soit péjoratif chez moi) de l'histoire. En fin de compte cette transposition fonctionne parfaitement : le film se déroule dans des endroits qui ont l'air bien réels (bars, magasins, parcs), on sent que Cusack a une connaissance profonde de Chicago et surtout, il n'insiste pas sur la localisation, c'est-à-dire qu'on ne nous montre pas de plans appuyés sur des monuments emblématiques de la ville. Cela n'aurait peut-être pas fonctionné dans une ville comme New York qui a une "identité cinématographique" forte. Au final, en extrayant ainsi l'histoire de son cocon, Cusack est très malin : il arrive à nous montrer l'universalité du personnage de Rob Gordon et de ses interrogations maniaco-existentiels.

Suite à une énième rupture, Rob reclasse ses disques non pas chronologiquement, non pas alphabétiquement, mais autobiographiquement. Génial !

Deuxièmement, Stephen Frears a opté pour un parti-pris de mise en scène très risqué, à savoir qu'il casse en permanence le quatrième mur. Au cinéma comme au théâtre, casser le quatrième mur consiste pour un acteur à s'adresser directement au spectateur, en regardant et en parlant à la caméra. J'ai déjà vu ça de manière fugitive dans Annie Hall (scène où Woody Allen fait la queue dans un cinéma), de manière beucoup plus appuyée dans le terrifiant Funny Games de Haneke et de manière beaucoup plus drôle dans les Tex Avery (avec ces pancartes qui s'adressent au spectateur "Funny isn't it?" ou ces toons qui veulent empêcher que l'iris de fin ne se ferme complètement). S'adresser directement au spectateur est pour moi très casse-gueule : le risque est élevé de rompre le contrat narratif entre le spectateur et le film qu'il regarde. Ce procédé n'est d'ailleurs utilisé en général qu'avec parcimonie.

Eh bien, dans High Fidelity, Stephen Frears ne se prive d'utiliser cette cassure du quatrième mur. Même pas de voix off, que du texte recité directement à la caméra ! Pendant un bon tiers du film, John Cusack interrompt l'action et nous conte directement ses états d'âme. Et miracle, magie du cinéma ... ça marche ! A quoi ça tient ? Au-delà du talent d'acteur de John Cusack, au-delà de la simplicité avec laquelle ces scènes sont filmées (ce n'est pas lourdement montré comme dans Funny Games), ce parti-pris fonctionne à merveille car le texte est excellent, drôle, touchant, sensible et tout à fait fidèle au livre.

Ces deux obstacles brillamment franchis, Stephen Frears et John Cusack n'ont plus qu'à dérouler leur immense talent, servis par un scénario en béton, un rythme qui ne redescend jamais et des acteurs complètement crédibles. Évidemment, Jack Black vole un peu le show à chaque fois qu'il apparaît mais d'une part il le mérite largement (ce type a une présence inouïe et illustre bien l'expression bigger than life) et d'autre part il n'empêche pas les autres personnages de s'épanouir. La danoise Iben Hjejle, que j'avais tant aimée dans Mifune, incarne une étonnante Laura, fille de tête, belle et intelligente comme dans un roman mais d'une humanité bien réelle. Elle est à mille lieux de toute forme de cliché féminin. Quant à Todd Louiso, il habite tellement son personnage que, en relisant le livre, je ne peux imaginer personne d'autre que lui pour interpréter le rôle peu évident de Dick, le troisième larron de la bande, timide et nerveux. Enfin, Catherine Zeta-Jones est parfaite dans la peau de la fille dont Rob ne s'est jamais remis, ce genre de superbes filles mi-garces mi-débiles auxquelles on s'attache avec un espèce de masochisme complètement conscient que j'ai encore du mal à m'expliquer. Vraiment, tout cela sonne très juste.

Et en plus il y a une belle histoire d'amour (Iben Hjejle & John Cusack)

Et enfin, évidemment, les dialogues sont fan-tas-tiques : percutants comme un coup de poing, drôles comme du Woody Allen et sensibles comme du Proust. Mais peut-être ne suis-je pas très objectif : High Fidelity est mon livre préféré. Oui je sais, ça serait plus chic de dire que mon livre préféré est Les Souffrance du jeune Werther ou Critique de la raison pure mais je mentirais honteusement en affirmant cela. C'est aussi le livre que j'ai le plus lu, une vingtaine de fois je pense, au point que j'en connais des paragraphes par cœur et que je rêve que Nick Hornby en écrive de nouveaux chapitres. Mais j'essaierai un jour de faire un article complet sur ce chef d'oeuvre d'introspection masculine, qui m'a tant fait rire et qui m'a tant donné l'impression de parler de moi moi moi.

Vous trouverez plein de ces dialogues percutants ici. Et en voici mon top 5 provisoire :

Rob: It would be nice to think that since I was 14, times have changed. Relationships have become more sophisticated. Females less cruel. Skins thicker. Instincts more developed. But there seems to be an element of that afternoon in everything that's happened to me since. All my romantic stories are a scrambled version of that first one.
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Rob: Why'd you have to tell her about the store?
Barry: Oh, I'm sorry, I didn't know it was classified information. I mean, I know we don't have any customers, but I thought that was a bad thing, not like, a business strategy
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Rob: Should I bolt every time I get that feeling in my gut when I meet someone new? Well, I've been listening to my gut since I was 14 years old, and frankly speaking, I've come to the conclusion that my guts have shit for brains.
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Barry: Oh, that's not obvious enough Rob. How about the Beatles? Or fucking... fucking Beethoven? Side one, Track one of the Fifth Symphony... How can someone with no interest in music own a record store?
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Rob: Hey, I'm not the smartest guy in the world, but I'm certainly not the dumbest. I mean, I've read books like "The Unbearable Lightness of Being" and "Love in the Time of Cholera", and I think I've understood them. They're about girls, right? Just kidding. But I have to say my all-time favorite book is Johnny Cash's autobiography "Cash" by Johnny Cash.

Bref, High Fidelity le film, triomphant avec brio de la difficulté d'adapter un best-seller et des obstacles qu'il s'est lui-même imposés, vous apportera 90 minutes de pur plaisir cinématographique. A voir absolument.

Vampyros Lesbos

Comme souvent chez Franco, une cohorte de titres alternatifs :
Die Erbin des Dracula / El Signo del vampiro / The Heiress of Dracula / The Strange Adventure of Jonathan Harker / Lesbian Vampires

Jess Franco, 1971

Quel titre, quel superbe titre tout de même ! Tout est dans ces deux mots si évocateurs, directs, premier degré, délicieusement outranciers et tellement prometteurs : une vraie vision d'auteur doublée d'un réjouissant bras d'honneur au bon goût.

Comme avec Mario Bava, la persévérance paie pour Jess Franco : je suis vraiment ravi d'avoir vu Vampyros Lesbos, qui s'avère largement supérieur à La Fille de Dracula et Les Expériences Erotiques de Frankenstein. Contrairement à ces deux derniers films, Franco n'a pas délaissé dans Vampyros Lesbos le scénario et le jeu d'acteur. En revanche, il démontre une fois de plus, par des images toujours étonnantes, sa vision personnelle et poétique du sympathique monde du vampirisme.


Pitch : la trame de l'histoire est assez peu éloignée du mythe original tel que décrit par Bram Stoker, à ceci près que Vampyros Lesbos se déroule à Istanbul de nos jours (enfin, en 1970) et que la plupart des rôles masculins sont tenus ici par des créatures aux penchants lesbiens prononcés. Linda est une jeune et blonde juriste, peu heureuse en ménage, troublée par des rêves inavouables. Elle est envoyée chez la comtesse Carody, qui habite une somptueuse villa sur une petite île du Bosphore, pour y régler la succession du grand-père de la comtesse, un certain Comte Dracula. Le soir de son arrivée, notre Linda est envoûtée, puis droguée, puis vampirisée par la comtesse, qui s'avère être aussi assoiffée de sexe que de sang. Le lendemain, Linda se réveille, sans savoir si tout cela était rêvé ou réel, dans une clinique psychiatrique tenu par le Dr Seward qui a l'air d'en connaître un rayon sur le vampirisme. Celui-ci va alors se lancer sur la piste de cette diabolique comtesse.

Dans cette interprétation du mythe de Dracula, l'austère comte des Carpathes est incarnée par une sympathique bimbo 70s qui se prélasse sur les plages du Bosphore avec ses grosses lunettes de mouche.

Comme vous pouvez le lire dans le pitch ci-dessus, l'histoire est pour une fois assez cohérente et l'on ne passe pas son temps à se demander "C'est qui elle ?", "C'est un flashback ça ?" ou "Qu'est-il devenu le moustachu de la scène d'avant ?". Comme dit plus haut, tout cela est bien fidèle au livre original et l'on retrouve les personnages principaux : Harker est remplacé par Linda, le comte Dracula par la comtesse Carody, Van Helsing par Seward et on retrouve même Reinfield, le schizophrène possédé à distance par Dracula, celui qui était joué par Tom Waits dans la version de Coppola et qui apparaît ici sous les traits de la belle Heidrun Kussin.

Sur cette base solide, Jess Franco nous montre des images à la symbolique forte, d'une beauté surréaliste inoubliable, et d'un érotisme qui ne bascule jamais dans la vulgarité ou la complaisance (ou alors si peu). Un certain nombre de thématiques se dégagent :

Écrans
J'ai tout d'abord été frappé par un motif visuel récurrent dans Vampyros Lesbos : les personnages nous sont souvent montrés derrière un premier plan plus ou moins translucide. Ici, à travers les barreaux d'une rampe d'escalier, là derrière une vitre, un voile ou encore un filet de pêche (!). J'avoue que je ne suis pas sûr de bien comprendre la signification de ces écrans entre les personnages et le spectateur. Peut-être Jess Franco cherche-t-il ainsi à illustrer à quel point ses personnages sont enfermés dans le film, comme des rats de laboratoire sur lesquels il se livre à toutes sortes d'expériences. Je ne sais pas. Quoi qu'il en soit, ce parti-pris de mise en scène est très réussi et donne une vraie identité visuelle au film.

Linda derrière une porte-fenêtre

L'homme de main de la comtesse derrière un filet de pêche

Linda et son infortuné copain derrière une fenêtre

Linda derrière une baie vitrée

Un rayon de Soledad
Il est évidemment très difficile de rester insensible à la beauté troublante de Soledad Mirando, qui joue la comtesse-vampire (et qui est créditée ici sous le nom de Susann Korda). Elle fut la muse de Jess Franco jusqu'à sa tragique disparition en 1971. Elle fait partie pour moi de ces actrices qui semblent à la fois habitées par des forces surnaturelles et détachées du monde réel. Dans Vampyros Lesbos, elle irradie chaque plan dans lequel elle apparaît par son regard magnétique, sa plastique parfaite et son jeu tout en retenue. Par comparaison, la blonde Linda (Ewa Strömberg), pourtant assez attachante, paraît presque un peu fade et trop réelle.

On sent la fascination de Jess Franco pour sa muse dans chaque plan dans lequel elle apparaît

Et puis aussi ...
Les deux scènes de danse du cabaret sont également très marquantes : on y voit Soledad Mirando, un chandelier à la main, enlever ses vêtements pour les passer sur une femme-automate aux mouvements mécaniques (et qui me rappellent un peu la créature automate des Contes d'Hoffman). Encore une fois, ces images parlent à notre imaginaire (au mien en tous cas) et vont bien au-delà d'une simple danse ou d'un banal striptease.

La comtesse et la femme-automate ...

... qui me rappelle vraiment l'Olympia de l'opéra d'Offenbach

On notera également ces gros plans récurrents sur des traînées de sang coulant le long des baies vitrées de la villa de la comtesse. Le sang est si irréel, et la caméra si proche de ces coulées que ces plans en deviennent des tableaux abstraits de toute beauté.

Une traînée de sang sur une vitre ...

... qui nous donne un tableau de Mirò

Au-delà de ces plans fétichistes et si originaux, Jess Franco sait également remarquablement construire des plans "normaux", dans lesquels il parvient à nous transmettre un vrai sentiment d'angoisse par des contre-plongées, des grands angles ou des éclairages audacieux. On accuse souvent Jess Franco d'abuser des zooms, et limite de ne savoir faire que ça. Je m'insurge totalement contre cette accusation. C'est faux ! Tout cela n'est qu'une rumeur colportée par de vilaines gens qui ont dû lire ça chez un journaliste qui se croit malin et qui n'a sûrement pas vraiment regardé les films de Franco. A la 2e vision de Vampyros Lesbos, j'ai bien fait attention et les zooms en question sont plutôt rares et toujours utilisés à bon escient. Encore une contre-vérité qu'il va falloir combattre !

Et enfin, je ne compte plus les plans superbement éclairés, les compositions picturales qui laissent rêveur ou encore ces sempiternels gros plans ensanglantés.

Franco a bien révisé son petit Vertigo illustré !

Contre-plongée + grand angle = plan angoissant

De beaux éclairages rouges à la Bava

Notez ces ombres au mur illustrant la schizophrénie de cette patiente

Un dernier mot sur le son. Sur une bande originale très jazzy, presque plus connue que le film lui-même paraît-il (et qui me ferait presque aimer le jazz), se superpose par intermittence une espèce de voix de speaker radio qui débite des paroles incompréhensibles en allemand et qui fait presque peur par son incongruité. Qui parle ainsi et que peut-il bien dire ? On entend ces sons dès le premier plan du film et je vous garantis que ça crée instantanément une ambiance très étrange.

Bref, Vampyros Lesbos est un poème sensoriel fascinant, un festin surréaliste auquel Jess Franco convoque Bram Stoker, André Breton et Paul Delvaux. A voir, vraiment.

Edit : Réjouissez-vous, j'ai réussi à mettre la main sur la BO, sobrement intitulée Vampyros Lesbos: Sexadelic Dance Party et que j'écoute en boucle depuis 2 heures. Je vous propose le titre final, Countdown to Nowhere, interprétée par le groupe Vampire's Sound Incorporation, groupe créé pour l'occasion apparemment. Du pur easy-listening bien 70s et fort agréable pour les oreilles, et qui contient ces voix en allemand si inquiétantes dont je parlais ci-dessus.

Vampire's Sound Incorporation - Countdown to Nowhere

Je Suis Curieuse (Jaune)

Jag är Nyfiken (Gul)
Vilgot Sjöman, 1967

Pitch : le film raconte les tribulations d'une jeune fille de 20 ans, dans le Stockholm de la fin des années 60, alors en plein révolution sexuelle. Notre héroïne, Lena (Lena Nyman), cherche par tous les moyens à comprendre le monde dans lequel elle vit. Avec un ami étudiant, elle interviewe des inconnus dans la rue, des jeunes appelés, des hommes politiques ou encore des personnes célèbres (dont Martin Luther King !) en leur posant des questions du style "Pensez-vous que la Suède ait un système de classes ?" ou "Que fait le gouvernement pour la jeunesse ?". Avec son groupuscule d'activistes, elle organise également des manifestations impromptus et contradictoires : contre la guerre au Vietnam ou pour l'accès à la bombe atomique pour la Suède.

Bref, notre petite Lena se cherche une place dans cette société changeante et doit mener en parallèle une sourde lutte contre son père à qui elle reproche son manque d'engagement en politique (pour le faire enrager, elle affiche un poster de Franco dans sa chambre). Enfin, elle vit une histoire compliquée avec un jeune garçon de bonne famille. Lassée de tout, incomprise, elle choisit de fuir à la campagne pour mener une existence zen à base de yoga, de vélo et d'osmose avec la nature. Saura-t-elle résister au retour de son petit copain ?

J'avais entendu parler de ce film à cause de sa réputation sulfureuse : Je Suis Curieuse avait créé un tollé à sa sortie et été banni aux États-Unis pour des scènes sexuelles trop explicites. J'imaginais que ce film était une espèce de docu-fiction sur la sexualité en Suède à la fin des années 60. En fait non, le propos est (heureusement) un peu plus large que cela. C'est l'ensemble des "questions de société" que Vilgot Sjöman, via son personnage de Lena, interroge. Un peu comme dans la philosophie, aucune réponse n'est véritablement apportée mais ce sont les questions qui sont importantes. Tel que je le comprends, les questions que se pose Lena sont les suivantes : quelle est ma place dans une société où le ciment social (appelons ça comme ça) se délite suite aux coups de butoir d'une jeunesse impatiente, politisée, qui s'ennuie et qui ne se reconnaît plus dans ses aînés ? Par quoi l'ancien système va-t-il être remplacé ? Comment conjuger les idéaux politiques et la réalité ? Peut-on vivre une vraie histoire d'amour dans un contexte de libération totale des mœurs ?

Questions intéressantes, laissées sans réponse, et qui donnent un ton très politique au film. On dirait presque du Godard, en moins prétentieux et plus léger. Il faut avouer que cette Lena est très attachante, d'une curiosité insatiable, prêt à poser toutes les questions, à tout tenter. Elle est bien loin du stéréotype de la suédoise des années 60 : Lena est une fille de petite taille, un peu boulotte, qui crie, s'énerve et change d'avis toutes les cinq minutes. Elle fait preuve d'une vitalité et d'une envie d'avancer qui la rendent très attachante.

La séquence étonnante (et lourde de sens) du rêve de Léna

Dans sa forme, Je Suis Curieuse est également proche de Godard et de la Nouvelle Vague en général : tout est filmé en décor naturel, caméra à l'épaule et les incessants jump cuts (des raccords qui cassent la continuité) semblent tout droit sortis d'A Bout de Souffle. Les acteurs sont visiblement amateurs, la narration est aléatoire et le film mélange indifféremment le documentaire et la fiction. Personnellement, je trouve que cette manière de filmer a plutôt mal vieilli et qu'elle s'apparente plus à une mode passée qu'à une démarche artistique personnelle. Mais ce n'est pas très important car on sent une vraie sincérité dans la démarche de Vilgot Sjöman. Ce film rend bien compte du bouillonnement de cette jeunesse - bouillonnement qui allait déboucher sur Mai 68.

Et quid des scènes de sexe qui avaient fait scandale ? Eh bien, d'une part, elles ne sont pas très nombreuses (le propos politique est bien plus important) et, vues en 2009, elle ne sont évidemment plus très scandaleuses. Je crois que c'était le baiser de Lena sur le sexe de son copain qui avait mis le feu aux poudres à l'époque. Bon, c'est vrai que c'est un peu olé-olé mais ce n'est pas cette image qui m'a le plus marqué. Je me souviens plus des belles images de l'escapade de Lena à la campagne, de la courte séquence onirique ou encore de l'étonnante scène finale à l'hôpital où Lena et son petit ami ont leurs corps intégralement nettoyés, comme pour les purger de leurs péchés et de leurs pensées impures. Serait-ce la morale du film ?

Le programme zen / bio de Lena est bien réglé ...

... jusqu'à ce que son copain revienne