Peggy Sue Got Married

Peggy Sue s'est mariée
Francis Ford Coppola, 1985

On continue les portraits de femme avec le relativement méconnu Peggy Sue Got Married, réalisé pourtant par le poids-lourd qu'est Francis Ford Coppola, qui vivait à cette époque une certaine traversée du désert. Je crois que c'est au départ un film alimentaire, de commande - mais sur lequel Coppola influe une vraie touche personnelle et émouvante.

Pitch : Peggy Sue (Kathleen Turner) est une femme de 45 ans, divorcée de Charlie (Nicolas Cage), le seul et unique homme de sa vie, avec lequel elle s'était mariée juste en sortant de l'université. Peggy Sue se rend à contre-cœur à la soirée des 25 ans de sa promotion de lycée. Elle y retrouve toutes les anciennes stars du lycée, ses vieilles copines mariées avec plein d'enfants, le nerd qui devenu une star, le connard qui est resté un connard etc. Elue prom queen, Peggy Sue tombe dans les vapes et se réveille ... en 1960 ! La voilà projetée 25 ans en arrière, avec toute sa tête et son expérience de femme mûre. Cette fois-ci, Peggy Sue est bien décidée à profiter au mieux de ses vertes années et de ne pas répéter les erreurs du passé.

Peggy Sue Got Married est avant tout un film jubilatoire car il réalise un fantasme qu'on a tous eu à un moment ou un autre : qui n'a jamais rêvé de revivre certaines périodes charnières de sa vie avec l'expérience d'aujourd'hui ? Corriger des erreurs passées, vivre certains instants plus intensément, savoir se détacher des effets de groupe ou de mode pour se concentrer sur les "vraies choses qui comptent" (i.e. sur soi), voilà le programme que se donne Peggy Sue et auquel le spectateur ne peut qu'adhérer, d'autant plus que Kathleen Turner est très convaincante dans ce rôle.

Notre Peggy Sue dégage en effet une envie de vivre qui est tout à fait réjouissante - envie de vivre doublée d'une douceur toute féminine. En alternance avec des scènes de comédie pure basées sur le décalage, le film nous propose des scènes vraiment touchantes, sans jamais tomber pour autant dans une mièvrerie de bas-étage. Les retrouvailles avec la petite soeur qui a trop longtemps été négligée (interprétée ici par la toute jeune Sofia Coppola) ou encore le coup de téléphone avec la grand-mère (qui, pour la Peggy Sue de 45 ans, est morte depuis belle lurette) sont des scènes véritablement émouvantes, portées par la justesse du jeu de Kathleen Turner.

A gauche, Jim Carrey dans un de ses premiers rôles. A droite, Nicolas Cage et son impayable look

Evidemment, on pense beaucoup à Back to the Future en voyant Peggy Sue Got Married : les deux films, réalisés la même année, s'appuient sur un voyage temporel entre les années 80 et la fin des années 50 et se déroulent tous deux dans une ambiance de college movies. Mais autant Marty McFly est un type plutôt stressé (et pour cause ! si ses parents ne se rencontrent pas, il risque de disparaître), maladroit, presque asexué et souvent dénué d'émotions, autant Peggy Sue fait preuve d'un vraie envie de s'amuser et de brûler la chandelle par les deux bouts - comme dans la scène de la surprise-party où elle pouffe comme une hystérique devant le show de Nicolas Cage et de ses acolytes.

En revanche, pour poursuivre la comparaison, Peggy Sue Got Married n'a pas la même perfection scénaristique que Back to the Future et le film s'en ressent quelque peu sur la fin que j'ai trouvé un peu artificiel (Peggy Sue n'a ici aucune raison de rentrer "chez elle", en 1985). Cette absence de climax final m'a un peu laissé sur ma faim. On peut également voir dans ce film (qui est un vrai régal, je le souligne !) un plaidoyer féministe, dans le bon sens du terme : les théories quelque peu rétros du Charlie de 1960 sur le rôle de la femme dans le couple sont joyeusement démolies par l'espiègle Peggy Sue dont l'insulte la plus percutante reste "Get lost, you macho smuck!".

"Autant en profiter, je suis sans doute déjà morte de toutes façons" déclare Peggy Sue à un moment du film. A la réflexion, cette petite phrase anodine ne serait-elle pas à sortir de son contexte et à prendre au premier degré, comme un appel à l'hédonisme ?

Entre Charlie et Peggy Sue ...

... il y a maintenant comme une barrière générationnelle

Comment résister à de tels looks ?

Elles n'y résistent pas d'ailleurs

Sommaren med Monika

Un été avec Monika
Ingmar Bergman, Suède, 1953

J'ai un peu de mal à écrire ces jours-ci alors je regroupe les films que j'ai vus par thème. Ce billet est le premier d'une série de trois films, que j'ai tous beaucoup aimés, et qui sont, chacun dans leur genre, de très beaux portraits de femme. Femmes de tête, femmes libres, femmes vivantes et femmes belles bien sûr - qui donnent leur nom à ces excellents films.

J'étais fâché avec Bergman depuis mes tentatives avortées de regarder Le Septième Sceau, que j'avais trouvé ennuyeux comme la pluie. Me voilà réconcilié avec le maître suédois grâce au superbe Sommaren med Monika, qui raconte une histoire des plus simples : un garçon et une fille se rencontrent, ils s'aiment et ils partent ensemble vivre leur histoire d'amour. La partie centrale du film décrit l'escapade estivale de nos deux tourtereaux, coupés du monde à bord de leur petit bateau qui sillonne les archipels déserts au large de Stockholm.

Sommaren med Monika raconte de manière très juste une double insouciance : l'insouciance des vacances, qui autorise les chemins de traverse et les belles échappées (un peu à la Rozier), et l'insouciance d'une histoire d'amour qui débute, qui en est au stade de la passion fusionnelle, où l'avenir et le reste du monde ne comptent pas. Évidemment, dans la dernière partie du film, nos deux héros sont rattrapés par la réalité et tout cela va se terminer en boucherie, comme dans la vraie vie. Mais, pendant un temps, ils sont jeunes, ils sont beaux, ils y croient et on a envie d'y croire avec eux, tellement cette histoire est bien racontée et tellement les images et la photographie de ce film sont d'une magistrale beauté.

Mais le film est surtout inoubliable grâce à la présence d'Harriet Andersson qui illumine chaque plan dans lequel elle apparaît. Elle n'est pourtant pas parfaitement belle (les scènes où elle se promène avec une vilaine culotte ne sont pas très flatteuses) et elle est encore moins exemplaire dans son comportement : elle ment, s'énerve, fait des caprices, se dérobe devant ses responsabilités etc. Mais, avant tout, elle nous jette à la figure une incroyable envie de vivre, qui s'exprime parfois avec rage, parfois avec une irrésistible douceur féminine.

Un regard-caméra de ouf
Cette vitalité atteint son paroxysme lors d'une scène tellement belle et tellement stupéfiante que j'en suis presque tombé de mon canapé. Assise dans un café avec un de ses amants, Monika s'allume une cigarette et tourne doucement la tête pour regarder le spectateur droit dans les yeux. Je crois avoir lu que c'est l'un des tous premiers regards-caméra de l'histoire du cinéma. Exacerbé par un jeu de lumière grandiose, ce regard, incroyablement lourd de sens, ensorcèle le spectateur et le met même dans une position intenable : Monika s'adresse au voyeur que chacun de nous est et semble lui reprocher le jugement que nous pourrions émettre sur son comportement adultère.

Voici, ci-dessous, la scène en question. Notez, à partir de 50 secondes, à quel point le noir qui se fait derrière Monika et la musique qui s'étouffe nous jettent littéralement dans les yeux terriblement expressifs de Harriet Andersson.

Jean-Luc Godard parle de cette scène bien mieux que je ne pourrais le faire :

Il faut avoir vu Monika rien que pour ces extraordinaires minutes où Harriet Andersson, avant de recoucher avec un type qu'elle avait plaqué, regarde fixement la caméra, ses yeux rieurs embués de désarroi, prenant le spectateur à témoin du mépris qu'elle a d'elle-même d'opter involontairement pour l'enfer contre le ciel. C'est le plan le plus triste de l'histoire du cinéma.

Jean-Luc Godard, Arts n° 680 (trouvé dans ce passionnant dossier consacré au film)

"Prendre le spectateur à témoin" : c'est exactement ce que j'ai ressenti en voyant ce regard poignant. Cette scène s'apparente d'ailleurs beaucoup au regard-caméra d'Yveline Céry qui m'avait tant marqué dans Adieu Philippine - et au sujet duquel j'avais déjà cité ce bon vieux JL Godard (aurais-je la même sensibilité cinématographique que cet énervant bonhomme ?).

On peut également noter qu'en raison d'une scène où Harriet Andersson apparaît entièrement dénudée (de dos cf. photo ci-contre) avant d'aller se baigner, Sommaren med Monika a fait un mini-scandale à l'époque (1953) au point d'être interdit au moins de 16 ans en France. Je crois que c'est un peu ce film qui a lancé le mythe d'une liberté sexuelle excessive chez nos amis suédois - mythe qui perdure jusqu'à aujourd'hui et qui est parait-il très exagéré.

En 1956, en mal de sensationnalisme bidon, un distributeur américain a même sorti le film aux Etats-Unis, dans une version raccourcie mettant l'emphase sur les scènes dénudées, sous le nom de Monika, Story of a Bad Girl. Pfff... n'importe quoi. Monika est tout sauf a bad girl, mais plutôt a lively girl, a real girl ou a girl tout simplement. Même 50 ans plus tard, un tel cynisme me laisse pantois.

Mais oublions ces péripéties. Vu de nos jours, hors de tout contexte, Sommaren med Monika est tout simplement très beau et très poignant : un de ces films où l'émotion monte progressivement, où, sans qu'on s'en rende compte, on finit par être indéfectiblement attaché aux personnages au point qu'on a la gorge serrée lorsque le générique de fin arrive et qu'on ne peut qu'applaudir des deux mains.

Le temps de l'amour pur, entier et possiblement éternel

Monika revenue à l'état sauvage

Extraordinaire éclairage sur Monika

Extraordinaire éclairage sur Harry

Je ne me lasse décidément pas de ce regard-caméra. Inoubliable.

Mise à jour: j'ai rajouté un index des films commentés sur ce site, par réalisateur, avec un lien tout en haut de la colonne de gauche.

Top 5 des films que je n'ai jamais vus

David, rédacteur de l'excellent blog de Vodkaster, qui aborde le 7e Art sous l'angle du ciné-geek technophile 2.0 qu'il est (et que je suis également), me propose de lister 5 films incontournables que je n'ai jamais vus. Alors, voici ce que ça donne :

1. Psychose (Alfred Hitchcock, 1960). Parmi tous les films que je n'ai jamais vus, c'est celui que je connais le mieux, tellement j'ai lu d'articles à son sujet. Je connais l'histoire sur le bout des ongles (y compris le dénouement) et, via le Hitchbook, j'ai aussi bien en tête le découpage plan par plan de certaines scènes (la douche mais aussi le meurtre de l'inspecteur, la scène d'amour du début avec Janet Leigh). Sans doute la peur d'être déçu.
2. La Dolce Vita (Federico Fellin, 1960). J'aime pourtant beaucoup le titre. Il faut dire que je pars de loin en cinéma italien (cf réalisateurs ci-dessous).
3. Le Parrain II (Francis Ford Coppola, 1974). Bizarrement, j'ai moyennement aimé le premier. Il paraît que le 2 est génial. J'attends encore.
4. Brazil (Terry Gillian, 1985). Là c'est moche de ne pas l'avoir vu parce-que je suis sûr que j'aimerai. Plus j'attends, plus je prends le risque d'être déçu et donc plus j'attends. Je ne m'en sortirai pas !
5. La liste de Schindler (Steven Spielberg, 1994). J'aime beaucoup Spielberg, j'ai lu plein d'avis très positifs sur ce film mais, depuis l'atroce Chapeau Melon et Bottes de Cuir, j'ai un petit problème avec Ralph Fiennes.

Tu n'as pas vu Pyscho ? La hoooonte ....

Et comme j'aime bien les Top et les classements de manière générale, déclinons un peu le concept.

Le top de la super honte
Comme au rugby, le Top 14 des réalisateurs dont je n'ai vu aucun film. Aucun, nul, zéro.

• Parmi les français : Jacques Tati et Robert Bresson.
• Parmi les japonais : Ozu, Kurosawa, Mizoguchi (je suis de manière générale complètement inculte en cinéma asiatique).
• Plus dur à admettre, je n'ai jamais vu de film des italiens Rossellini, De Sica ou Fellini
• Encore plus dur à admettre, chez nos amis américains, je n'ai jamais vu de films de Hawks, Griffith, Huston ou Tourneur.
• Ailleurs dans le monde, il me reste encore à découvrir un film de Carl Dreyer ou de Hou Hsiao-Hsien.

Au début : cha bada bada, cha bada bada ... Après : zzzzzzz....

Le top de l'ennui
Dans un autre état d'esprit, mon Top 5 de films qui sont considérés comme des classiques, que j'ai essayé de regarder mais dont je n'ai jamais réussi à aller au bout.

1. Le 7e sceau (Ingmar Bergman, 1956). Trois fois j'ai essayé, trois fois je me suis endormi au premier tiers à peu près. Je suis complètement hermétique à ce film qui est pourtant considéré comme un super classique.
2. Stalker (Andreï Tarkovksi, 1979). J'ai abandonné à la moitié de ce long, lent et incompréhensible film - après 2 endormissements successifs.
3. L'année dernière à Marienbad (Alain Resnais, 1961). Abandonné au bout d'un quart d'heure, malgré la beauté certaine des images, tellement j'étais exaspéré par la prétention de la mise en scène et de la narration (ou plutôt de l'anti-narration).
4. Un homme et une femme (Claude Lelouch, 1966). Bon c'est un Lelouch donc ça peut difficilement être un classique mais la présence de Jean-Louis Trintignant m'avait décidé à essayer de le regarder. Au bout d'une demi-heure, je me suis rendu compte que c'était vraiment pas possible.
5. M le maudit (Fritz Lang, 1931). Alors là c'est la honte car je vénère Fritz Lang. A ré-essayer d'urgence.

Le top de l'a priori
On continue avec un top 5 des films que je suis très content de ne pas avoir vus et que je ne verrai sans doute jamais, sauf sous la torture.

1. Da Vinci Code (Ron Howard, 2006)
2. Salo ou les 120 journées de Sodome (Pasolini, 1976)
3. Men In Black (Barry Sonnenfeld, 1997)
4. Cannibal Holocaust (Ruggero Deodato, 1980)
5. Ocean's Eleven (ou 12 ou 13) (Steven Soderbergh)

Le top de l'amertume
Pour finir, un top 5 des films que je regrette amèrement d'avoir regardés. Des films qui font souffrir sur le moment et qui laissent un très mauvais goût dans la bouche.

1. Astérix aux Jeux Olympiques (Frédéric Forestier, 2008). Mais est-ce vraiment du cinéma ?
2. Requiem for a Dream (Darren Aronofsky, 2000). Peut-être le film le plus abject que j'ai jamais vu.
3. Batman et Robin (Joel Schumacher, 1997). Effroyablement nul dès la première seconde.
4. Australia (Baz Luhrmann, 2008). Je n'ai jamais été autant crispé devant un film. A la fin, mes ongles étaient enfoncés dans les accoudoirs.
5. Chocolat (Lasse Hallström, 2001). Un film atrocement neu-neu et terriblement poujadiste, un peu dans la même veine fascisante que Les enfants du marais ou Le coeur des hommes. Juliette Binoche est à mon avis l'actrice la plus sur-côtée de tous les temps.

J'ai un peu débordé du pitch initial : du coup, je renvoie la balle à David pour ces derniers tops.

La malédiction de la momie aztèque

La maldicion de la momia azteca
Rafael Portillo, Mexique, 1957

Un DVD acheté complètement au hasard, sur la seule foi de sa belle pochette, et qui avait pour but de commencer mon initiation à la série B mexicaine qui a paraît-il connu un relatif âge d'or pendant les années 50/60 (dans son autobiographie, Jean Rollin mentionne quelques oeuvres mexicano-vampiresques à voir absolument). Pas de bol : La malédiction de la momie aztèque s'avère être un vrai naufrage.

Pitch : j'ai découvert que le film était en fait la suite de La Momie Aztèque, sorti également en 1957. La malédiction de la momie aztèque démarre donc là où le précédent se terminait : l'infâme Dr Krupp est en prison et le sympathique Dr Almada peut envisager sereinement son mariage avec la belle Flor. Malheureusement, aidé par ses hommes de main, le Dr Krupp s'évade et enlève Flor grâce à laquelle il compte mettre la main sur un trésor aztèque. Flor est en effet la réincarnation d'une aztèque du 15e siècle et, sous hypnose, elle saura mener le Dr Krupp à la pyramide enfouie qui contient le trésor. Arrive alors un improbable catcheur-vengeur un peu enrobé, en voiture de sport, qui répond au nom de Angel, et qui va venir à l'aide du Dr Almada pour sauver Flor. Mais il s'avère que Angel est un piètre super-héros qui en fin de compte crée plus de problèmes qu'il n'en résout et tout le monde est fait prisonnier par le Dr Krupp. Tout s'arrange lorsque la momie se réveille après 200 ans de sommeil et, lors d'une obscure scène finale, massacre le Dr Krupp et toute sa clique.

Bon ... que faire face à un tel film ? Que dire ? On remarquera d'abord que La malédiction de la momie aztèque est un étonnant patchwork : film noir, film de super-héros, film de savant fou, film de momies ... c'est un peut tout cela à la fois. On appréciera le fait que le film ne dure que 65 minutes. On déplorera les incohérences ahurissantes de l'histoire, les combats terrifiants d'invraisemblance, les dialogues aberrants, la pauvreté des décors ou encore l'absence totale de jeu d'acteur. Tout ceci est quand même très fauché et complètement dénué de toute ambition artistique.

Reste .... reste quoi ? Allez, reste un peu de poésie dans la scène de flashback dans le temple aztèque. Reste une certaine fraîcheur de ton. Reste un certain courage à réaliser un film pareil. Non mais franchement, ce super-héros déguisé en catcheur qui se prend mandale sur mandale et échoue dans tout ce qu'il entreprend, il fallait quand même oser l'inclure dans le scénario !

Et moi je crois que je vais repasser le Rio Grande et rester, pendant un certain temps encore, dans la série B US. Cette incursion mexicaine ne me dit rien qui vaille.

Apparition de notre super vengeur-catcheur Angel

La scène au 15e siècle dans le temple aztèque

Angel en plein galère au-dessus de la fosse aux serpents

Le professeur diabolique / savant fou de rigueur

The 7th Voyage of Sinbad

Le 7e voyage de Sinbad
Nathan Juran, 1958

Film fantastique américain des années 50 toujours. Je me souviens d'une époque où ce film était multi-diffusé à la TV hertzienne aux périodes de Noël (est-ce encore le cas ?). Je l'avais donc déjà vu étant petit et j'avais peur que le souvenir que j'en gardais, aussi parcellaire qu'excellent, ne s'effondre suite à un nouveau visionnage 'adulte'.

Eh bien pas du tout : 20 ans après, j'ai de nouveau été ébloui par l'inventivité visuelle époustouflante de ce petit chef-d'œuvre d'aventure.



Pitch : dans un Bagdad fantasmé et chamarré, le valeureux capitaine Sinbad file le parfait amour avec la princesse Parisa. Un mariage est prévu pour bientôt. C'était sans compter sur la perfidie du magicien Sokurah qui jette un sort maléfique sur la princesse Parisa : celle-ci rétrécit subitement (encore !) et ne mesure plus que quelques centimètres. Démasqué, le magicien avoue que le seul remède pour sauver la princesse est une potion à base de coquille d'aigle à deux têtes, espèce qu'on ne trouve que sur l'île de Colossus. Sinbad embarque donc un équipage de renégats (car nul ne veut se rendre sur cette île maudite) dans une quête qui s'annonce pour le moins périlleuse : cette île est en effet peuplée de monstres étranges et fort dangereux.

Le pitch n'est en fin de compte pas très éloigné de celui de King Kong : une bande d'hommes en armes arrive sur une île mystérieuse pour sauver une jeune femme et doit affronter toute une série de monstres inquiétants. Mais son traitement est très différent. Autant King Kong, bien que teinté d'une poésie érotique remarquable, reste un film très sérieux qui cherche à créer de la terreur chez le spectateur, autant Le 7e Voyage de Sinbad nous emmène sur le terrain de la féérie, du fantastique et de l'exotisme : costumes extravagants, couleurs saturées, décors grandioses et magie omniprésente (on retrouve même la lampe d'Aladin qui fait apparaître un génie lorsqu'on la frotte en prononçant la bonne formule magique). Mais tout cet environnement n'est pas rigide et codifié (et donc ennuyeux) comme dans l'heroic fantasy habituelle : ici, tout est possible, on ne sait jamais à quoi s'attendre et le film nous emmène de surprise en émerveillement.

Princesse de poche
En fait oui, Le 7e voyage de Sinbad me paraît très réussi car il reste un film léger. A l'image de la princesse. Bien que devenue liliputienne, celle-ci reste tout sourire, pleine d'amour pour son Sinbad, drôle, vive, esquissant ici ou là un petit pas de danse, et arrivant même à se rendre utile en réveillant le génie de la lampe ou en libérant des prisonniers. Par son côté éminemment adorable, elle me rappelle Kylie Minogue en fée verte dans Moulin Rouge ou Laureline dans cette épisode de la BD Valérian (je ne sais plus lequel) où elle est rétrécie et passe tout son temps à pester, perchée sur l'épaule de son bien-aimé.

Peut-être l'image que je préfère du film : la délicate princesse dans le creux de la main de Sinbad

Sinbad éberlué après la transformation de Parisa

Une autre image pleine de charme et de féérie

La princesse à l'intérieur de la lampe magique

... ou en train de suivre Sinbad sur une boule de cristal

Un sympathique bestiaire
Il faut de plus souligner l'inventivité du réalisateur quant aux monstres étonnants qu'il nous présente. Inspirées de mythologies diverses (grecques, orientales, moyenâgeuses), ces effrayantes bestioles de pâte à modeler sont toutes très belles à voir et surtout très vivantes.

Le monstre emblématique du film : le terrible cyclope à pattes velues

Ne pas s'attaquer aux poussins à deux têtes ...

... sous peine de voir arriver la mère à deux têtes

L'inoubliable combat contre le squelette

Pour le coup, cette scène rappelle franchement King Kong

Bizarrement, je m'attache beaucoup plus à ces créatures irréelles et imparfaites qu'aux monstres numériques qu'on peut voir dans la gonflante trilogie des Lord of the Rings (par exemple). Je répète des choses déjà dites sur ce blog mais encore une fois, Le 7e voyage de Sinbad nous montre que l'irréalisme des personnages n'empêche en rien l'émotion qu'ils peuvent nous transmettre. Pour prendre d'autres exemples plus récents, n'importe quelle poule de Chicken Run, en pâte à modeler bien apparente, me touche mille fois plus que ce crétin de Jar Jar Binks, pourtant parfaitement numérisé (avec les bons reflets et tout ... trop bien) dans les derniers Star Wars (beurk, beurk et re-beurk).

Ici, bien au contraire, l'introduction d'éléments fantastiques, qui déréalise rapidement l'histoire, nous fait rentrer dans le domaine de la féérie poétique, dans une forme d'illusion enchanteresse - et c'est ça qui fait pour moi la magie du cinéma, plus que des prouesses techniques d'informaticiens.

La princesse redevenue normale, il se marièrent, vécurent heureux et firent plein de petits califes.

Bref, Le 7e voyage de Sinbad est un excellent film pour les petits comme pour les grands, une aventure riche en rebondissements, à prendre au premier degré (comme toujours), se déroulant dans un monde merveilleux qui résiste étonnamment bien à l'épreuve du temps.

Creature from the Black Lagoon

L'étrange créature du lac noir
Jack Arnold, 1954

Continuons dans les films fantastiques américains des années 50 avec un autre classique du genre, signé également par Jack Arnold : L'étrange créature du lac noir. Tremblez ...

Pitch : embarquée sur un bateau qui remonte l'Amazone, une équipe de scientifiques part à la recherche de fossiles d'un genre inédit qui se trouveraient dans le fond d'un lac inexploré aux eaux noires. Ils vont très vite se rendre compte que ce lac est habité par une créature mi-homme mi-reptile qui va s'avérer être extrêmement agressive et va petit à petit trucider tous les membres de l'équipage.

Comme pour The Incredible Shrinking Man, ce film est avant tout efficace. En peu de temps, l'unité de lieu et d'action est posée : des personnages isolés et en nombre réduit, un cadre restreint (le bateau et le lagon) et un monstre tueur. Nous ne sommes pas très loin du slasher. Le suspense se restreint donc à la réponse aux questions suivantes : quelle va être la prochaine victime ? Sous quelle forme va être la prochaine attaque du monstre ?

Pour un film aussi sérieux dans le ton, j'ai été tout de même un peu gêné par certaines aberrations du scénario. Les premières exterminations des membres de l'équipage par le monstre sont accueillies dans une indifférence générale ("Ah merde, Bobby est mort" sur le ton de "Damn ! J'ai plus de cigarettes") et n'entrainent aucune modification des comportements des survivants ("La moitié de l'équipage est morte ... bon ... et si j'allais me fumer une clope tout seul à l'avant du bateau à la nuit tombée" => mauvaise idée bien sûr !). A un autre moment, nos deux héros partent plonger à la chasse au monstre avec un pauvre couteau et en pleine nuit !

Il reste tout de même de ce film de belles images du monstre nageant sous l'eau, tournant sur lui-même en silence, évoluant avec une certaine grâce au milieu des algues. Jack Arnold sait faire preuve d'une certaine poésie aquatique.

La créature du lac noir dans son élément naturel, et pas contente

D'autre part, il est intéressant de noter que ce monstre va montrer in fine qu'il est capable d'avoir des sentiments : il tombe quelque peu amoureux de la femme du groupe et tente de l'enlever et de la garder pour lui, à la King Kong. Enfin, la conclusion de ce film est assez surprenante, encore une fois très ouverte comme dans The Incredible Shrinking Man.

Bon bon, tout cela se regarde sans déplaisir mais ne fait pas franchement vibrer non plus.

Ce plan me fait penser aux Dents de la Mer

L'inquiétude monte au sein de l'équipage